人的记忆力会随着岁月的流逝而衰退，写作可以弥补记忆的不足，将曾经的人生经历和感悟记录下来，也便于保存一份美好的回忆。范文怎么写才能发挥它最大的作用呢？下面我给大家整理了一些优秀范文，希望能够帮助到大家，我们一起来看一看吧。
兵马俑美术鉴赏论文篇一
这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里，我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。
艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。
艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。
（一）艺术美的形象性
艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。二）艺术美的直观性。所谓直观性，就是具体生动性和直接可感性，它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象，并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中，艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中，艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显，但是，它们也直接作用于我们的感觉器官，使我们经过联想或想象，在脑中产生出美的形象。
（三）艺术美的审美性
艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。
（四）艺术美的主体性
艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。
（五）艺术美的协调性。所谓协调性，最根本的是指内容和形式的统一，也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美，表现在形式同内容有机地联系一在起，并且由内容来决定，而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。
（六）艺术美的典型性。所谓典型性，就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面，并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”，就是指的这种典型性。毛泽东同志所说：“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高，更强烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征，同样是由艺术美的基本内容决定的，它是人对于美的理想的追求和体现。
（七）艺术美的民族性。所谓民族性，就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说，任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。
随着时间的推移，美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识，弥补了我在艺术知识上的不足，也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中，我能继续汲取艺术方面的知识，不断充实自己，丰富自己，提高自身的内涵。
兵马俑美术鉴赏论文篇二
1.个人电脑的普及
计算机网络只是获取资源的一种渠道，要真正使用它，还要有一定的技术设备。过去电脑价格比较昂贵，只有少数单位和个人能够拥有，而随着电脑技术的日益成熟以及商家之间的价格竞争，电脑的价格已经下降了不少。如今走进学生的宿舍，往往可以看到桌面上摆着台式或笔记本电脑，学生们正熟练地使用计算机上网。在课堂上学生甚至会用手机查找学习资料，帮助理解课堂知识。所以，个人电脑的易于取得为利用互联网进行学习提供了必要的条件和准备。
2.互联网的使用方法简单易学
现在人们已经普遍懂得使用络浏览器上网阅读资料，通过搜索引擎和数据库平台进行资料查找也很简单，只要输入关键词就可以搜索到，使用方法比较简单。通过电子邮箱收发邮件，通过聊天工具交流信息，传输数据，通过论坛发表自己的观点、看法也是很方便的事情。而这些为互联网辅助教学起到了促进的作用。
3.学生对网络的喜爱
作为年轻的一代，学生对新事物的接受很快。同时他们又具有较强的求知欲和好奇心。校园里的电子阅览室常常是座无虚席，宿舍里也经常能够看到学生们上网的身影，学校周围的网吧也总是生意兴隆。上网在学生们的生活中所占的比重越来越大。学生们对互联网的热情对利用网络进行教学大有益处。
1.互联网上具有美术鉴赏课所需的丰富教学资源
美术鉴赏课的教学需要大量的图片、文字、数据、视频等参考资料，现在网络当中已经存在有大量与美术相关的网站，可以为教学提供丰富的资源。
（1）具有检索功能的图书期刊数据网站
现在许多院校向这些数据网站交付一定的使用费后提供给本校的师生免费使用。这些网站有几大好处：一是资料可靠，二是质量有一定的保证，三是能够满足同时查阅资料的需要，四是下载后可以长期阅读，不必担心借阅超期问题。这些检索系统的数据是直接把纸质的材料直接转换成电子数据，中间几乎没有数据的丢失或者修改，资料的可信度较大。这些资料也是大部分来源于一些正式的出版物，在质量上是有一定的保证的。图书馆的藏书是有限的，如果出现许多人同时要借某一个资料或者是某一类资料，就不一定能同时满足借阅的需要，而网络上的资源就不存在这样的问题，可以供许多人同时下载，而且没有借阅期限，可以有充裕的时间来进行阅读和思考。这是利用互联网络进行学习时很重要的一个资料来源。
（2）介绍画家个人艺术创作为主的网站
这类网站包括了艺术家的个人网站、艺术家个人美术馆所办的网站。艺术家的个人网站一般包括艺术家的个人简介、作品的在线展示、艺术观点和评论文章，以及艺术活动、出版著作和获奖收藏等等。这类网站往往能够较好地选择出代表艺术家创作面貌和整体水平的作品。对艺术家的介绍也比较概括、简练。同时网站往往还放有艺术家所撰写的文章、访谈以及一些比较有代表性的评论文章等。艺术家个人美术馆所办的网站由于有专业的艺术研究团队以及固定的资金的支持，网站规模就要大得多。对艺术家的介绍文章一般要更加的细致深入，在线作品范围更广，包括了艺术家不同时期的代表作品，著录也较为详细，而且这些美术馆里因为收藏有艺术家的大量作品，所以在这些网站上还可能看到一些在别的网站不常见到的作品。网站上表现艺术家自己艺术观的文章、访谈以及评论、研究文章更为丰富和齐全，能够让学习者全方位多角度地了解艺术家及其作品。这些网站也是比较可靠的美术鉴赏教学的资料来源。
（3）美术史课程学习的网站
这类网站专为美术史学习、爱好者设计，内容丰富，图文并茂，编排严谨，科学合理，可靠性强，能够为课程学习提供大量的参考。
（4）美术组织机构的网站
这些网站中包括了美术中各个门类艺术协会所主办的网站，地方及全国美术家协会的网站。这些网站里有协会展览、学术动态、艺术新闻、艺术家介绍、艺术理论、新作展示及博客、论坛等等。这些网站的专业性比较强，学生能够从中学习到不少专业知识，而且对了解各个学科发展的最新动态有很大的帮助。
（5）美术的综合性网站以及综合网里的美术部分
这些网站包含了和美术有关的大量信息，内容丰富，包罗万象。它们的受众面较广，常常还包含了收藏方面的内容，和现实生活联系比较紧密。学生通过浏览这些网站，可以把课堂中学到的知识、理论、方法等和现实生活中的美术现象联系起来理解，可以努力做到理论联系实际，学以致用。
（6）百科类网站
这类网站往往包括画家简介、生平经历、作品介绍、艺术特点、艺术主张、社会评价、市场价格、收藏价值等方面的内容。但由于部分这类网站在制作上不是由网站专业人员编辑，而可能是由会员上传、编辑资料，内容上可能有重复编排或者逻辑不清的现象，质量也参差不齐，所以在可信度上应当引起注意。但是，由于其资料相当丰富，查找方便，所以可以作为学习的参考，但一定要注意辨别。
（7）贴吧、论坛和微博
这些网站上也有大量的图片、文字、数据资料，但这些资料随意性较大，对其真实可靠度要注意鉴别。
2.互联网为美术鉴赏学习提供交流的平台
在学习的过程中，不仅图片、文字是重要的学习资源，学习的伙伴也是学习的重要资源。如果大家能够交流经验或者是发出一些有意义的评论，通过相互的交流也可以加深我们对知识的理解和把握。这种交流可以有同步交流和异步交流。
（1）同步交流
通过qq、msn等软件可以实现在线同步交流。交流可以以文字的形式，如果接上摄像头、话筒等设备，还可以进行同步的语音和视频对话，使用起来非常的方便。
（2）异步交流
通过一些离线留言功能以及电子邮件、论坛等形式可以实现异步交流。比如学生可以给教师发邮件或留言，也可以在论坛上相互讨论，交流可以不受时间、地点等限制，具有更多的灵活性。通过这些交流平台，学生可以了解更多与美术鉴赏相关的信息，交流不同的观点，进一步加深学习。
1.互联网辅助美术鉴赏教学原因：
（1）美术鉴赏课自身的特点
美术鉴赏课包括了古今中外所有艺术家的美术作品、风格流派等方面的鉴赏，同时还需要了解美术方面的基本知识，艺术家人生经历、创作过程，以及与之相关的历史、经济、文化等方面的知识。从鉴赏的角度和方法来讲，除了课本上介绍的常见的几种之外，还存在着其他多种的鉴赏角度。所以美术鉴赏课课程自身的特点，决定了它非常适合运用网络来辅助教学。
（2）因材施教的需要
每位学生学习的专业、基础、学习的程度、兴趣爱好都是不相同的。如果说仅仅通过课堂上相对统一的教学是不能完全满足每位学生的需要。学生们应该从因特网上巨大的资源库中获取自己所需的知识，开拓一个课堂以外的广阔的学习空间，进行一种个性化的学习。
（3）素质教育的需要
素质教育给我们的教学提出了新的要求：“智育工作者要转变教育观，改革人才培养模式，积极实行启发式和讨论式教学，激发学生独立思考和创新意识，切实提高教学质量。要让学生感受、理解知识产生和发展的过程，培养学生的科学精神和创新思维习惯，重视培养学生收集处理信息的能力、获取新知识的能力、分析和解决问题的能力、语言文字表达能力以及团结协作和社会活动的能力。”美术鉴赏课是一门和实践联系非常紧密的课程，它最终要形成的是实际生活中对美术的鉴赏能力。因此，美术鉴赏课不能仅仅局限于课堂上对知识的传授，更重要的是能力和素质的提高。通过互联网的使用，学生在众多信息的选择、感受、思考、分析、归纳、总结中，不断提高综合素质。
2.互联网辅助美术鉴赏教学具有以下优点：
（1）能够解决传统教学中学习的局限性问题
传统的教学是围绕着教材和教师的课堂教学展开的，着眼点是知识的传授。而课堂教学的时间是有限的，学生所能学到的知识也是有限的，理解问题的角度也比较单一。而要真正对一件作品形成深入的认识，就要了解这个作品创作者的其他相关的系列作品以及和这件作品相关联的大量作品以及参考资料，了解不同人的不同观点和看法，才能真正得出自己的判断。而且美术鉴赏所涉及到的知识面非常广，无论是对图片还是文字资料，都要有一个量的积累才能真正学好。而互联网上存在着学习的巨大的资源库，它是一个除了课堂之外更为广阔的学习空间。通过上网可以方便地获取大量的文字、图片、视频等资料，可以加深对于知识、概念、理论的理解，对画家、作品、流派能够形成更为全面、丰富、准确的认识，还能对自己感兴趣的部分进行拓展或者深入学习。因而教师在教学过程中要积极转变教学思想，具有开放式的教学观念，采用启发式的教学，上课时不要对讲授的内容过早地下定论，要给学生留下更多的思考的空间。通过课前、课后的思考题以及上课时的讨论，引导学生积极到互联网上去查找资料。应当让学生知道，学习具有多元性，不仅仅要在课堂里学习，还要懂得、擅于使用互联网，在互联网上可以通过各种各样的途径获得更多的知识。这样，可以将美术鉴赏的学习从课堂延伸到课外，丰富和加深我们对课程的学习。
（2）改被动学习为主动学习，建立学生学习的主体地位
在以讲授为主的教学当中，学习往往是被动的。学生所了解的往往只是书本及老师所讲的知识，自己占有的材料比较少，能够进行主动思考的余地也就不大。如果依托于互联网上的资源，学生通过建构式学习，采用讨论的学习方式，就能够更好地进行主动学习。在这样的教学里，教师可以根据教学内容设定一定的问题，然后让学生根据这些问题到网上去查找相关的资料。在观察和感受的基础上，通过对资料的分析、归纳、整理，形成自己的观点。学生们带着这些观点来到课堂上，通过与其他同学的讨论，能够加深对问题的理解和认识。这是一个主动学习的过程，通过这样的学习，学生的印象会更加深刻，而且从互联网获取信息的能力、思维能力以及表达能力都得到较大而提高。在实际的教学当中，讨论是学生非常喜爱的学习方式，它能使课堂气氛变得活跃，激发学生学习热情，增加学生学习的兴趣。在这样的学习的过程中，学生主动地将所需要的知识融入到自己的知识系统当中，也做到了个性化学习，达到因材施教的目的。同时我们还要知道，这种讨论不仅仅是在课内，互联网大大扩展了人们交流的范围。除了同班同学之外，还可以通过校园网和同一个学校的同学交流观点。另外，还可以通过qq上的兴趣组，贴吧、论坛等方式进行交流。
（3）学校和家庭要做好监督工作，做到安全、健康、文明上网。科技的发展使得互联网对我们的生活产生深远的影响。教育要实现现代化就要利用好这一技术条件。面对新的教育发展形势，美术鉴赏课要充分利用网络教学资源，积极转变教学观念，探索新的教学方法和手段，不断适应现代社会对人才培养的新要求，提高学生的全面素质，只有这样才能促进美术鉴赏教学的不断进步、发展和提高。
兵马俑美术鉴赏论文篇三
簪 花 仕 女 图
——回首千年的美丽 摘要
丰腴雍容中的雅致，正是盛唐美人所独有的。帝国的繁荣，绽开在那些花样面容上，流光溢彩，令人颠倒沉醉。在唐代人物画中，也许没有哪一种题材更像仕女画那样，可以淋漓尽致地传达出这一盛世的声色风貌。
在这一时代，魏晋士大夫所推崇的“秀骨清像”也已了无踪影。丰肥雍容中的雅致，是盛唐美人所独有的。这种充满繁荣、自信、满足、大气的风貌，前无古人，后无来者，体现了一个时代的精神状态。
关键词
唐代仕女画
《簪花仕女图》 周昉
目录
正文
由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，唐代美术在民族传统的基础上又容纳了一些外来的艺术形式，丰富和发展了民族艺术传统，赋予作品一种丰富、健康、生气勃勃的时代精神。唐代初年，人物画坛上，一是对传统艺术的继承和发展，扩大了表现题材，创造了一些表现当时人物和生活的作品，风格也更趋于雄健；一是在与西域美术交流的基础上，丰富了表现技巧，为盛唐美术的发展奠定了重要的基础。
唐代的工艺美术随着手工业的繁荣和对外贸易、文化交流的频繁，也获得了生机，有了大的发展。纺织、陶器、漆器、金银器以及雕刻等工艺门类，同绘画一样融合中外艺术精华，奇艺骈罗，具有健康、明朗、活泼的美学风范。
盛唐以后，在以吴道子为代表的宗教绘画兴盛的同时，直接反映现实生活的风俗画，特别是描绘仕女生活情态的风俗画也得到发展。周昉是这一时期这一题材方面的代表画家，他也是直接影响晚唐五代绘画风格的画家。
《簪花仕女图》是周昉的唐代仕女画中的旷世杰作，,是唐代仕女画的又一高峰。
周昉，中国唐代画家。字景玄，又字仲朗。京兆（今陕西省西安市）人。生卒年不详。昉是继张萱之后以表现贵族妇女著称的画家。有“画仕女，为古今冠绝”的美誉。他的仕女画初效张萱，后则小异，具有用笔秀润匀细，衣裳劲简，色彩柔丽，人物体态以丰厚为体的特点。然而，周昉生活的时代，已是唐帝国经过安史之乱由盛而衰，社会矛盾日渐尖锐之际。他笔下的妇女已不同于张萱作品中的欢愉活跃，而仿佛是沉湎在一种百无聊赖的心态中，茫然若失，动作迟缓。纵然是装饰得团花簇锦，也掩不住内心的寂寞与空虚。在表现时代和生活的深度上，周昉具有卓越的艺术才能，《簪花仕女图》精致地刻画了几个身披轻纱、高髻凌风的贵妇在庭院中闲步、赏花、采花、戏犬等的生活情节。她们步履从容，但眉宇间却流露出若有所思的心态。圆浑流畅的线条，艳丽丰富的色彩，出色地表现了“绮罗纤缕见肌肤”的效果，为我们记录了8世纪左右中国最美丽的女性形象，此画也因为精细而传神的描绘成为传世经典。
簪花仕女的意思是头戴花朵的贵族妇女，而《簪花仕女图》的得名便来源于此。其实簪花在南北朝时期已成风气，到了唐朝其风气越盛。仕女头上戴的簪花初期多为小花，起点缀作用。当牡丹风行大唐后，带来直接将盛大的花朵簪于髻顶的风尚，画卷开端的第一位贵族妇女的发髻上扦插的便是牡丹。再配以髻前的玉簪步摇、珍珠流苏，以及一身精致轻盈的服饰，使其雍容自得的气质彰显无遗。其他几位仕女发髻所戴的红色花瓣枝、荷花、镂空簪花和芍药花，不同的头饰表现的是唐朝的盛世繁华。
除了簪花，从图中仕女丰盈的体态中我们还了解到唐朝以富态为美的审美标准。画卷中的妇女个个体态丰满，而且发髻高耸，眉毛画成瓜子形状，衣着华丽中充满飘逸感。这些无一不体现唐朝当时贵族妇女所最求的时尚。丰腴健硕、短颈袒胸的仕女形象也成为那个时代的审美特征。整个唐朝的那种线条飘逸，绘制精美，以及人物眉宇间总是隐含不露的笑意，和周昉的簪花仕女是一脉相承的。唐宋之后的造像或绘制，虽然也算艳丽，结构也还完整，却总感觉多了些仓促，少了些细腻，多了些尘嚣，少了些神怡。这样看来，画面上的这些簪花仕女，袒露的也是一个朝代的丰腴和大气。
唐代的女性尤喜红色，如武媚娘“开箱验取石榴裙”，杨玉环“一枝红艳露凝香”，还有白居易《琵琶行》中歌女的“血色罗裙翻酒污”、“红绡带缓绿鬟低”；《簪花仕女图》中6位女子，都有红色衣着搭配在身，或是如第1位内穿有斜格纹样的朱色长裙；或如第2位夹缬长裙以朱为底，配以墨红相间的团花图案，格外典雅富丽；最令人称绝的是身着朱色披风外套的第5位，竟在朱色披风外罩上一层石绿色纱罩，居然无一丝俗气。画家用极薄的石绿、赭石、胭脂等色罩于画上，画出薄如蝉翼的纱衣，将女士们凝脂般的身体若隐若现地展现在华美而高贵的着装中，让人浮想联翩，惊叹不已。
按时间来看，周昉创作这幅画的时代，刚刚经历了安史之乱，盛唐已经过去，然而画卷却向人们展示了这几位仕女在幽静而空旷的庭园中，以白鹤、蝴蝶取乐的闲适生活，看似锦衣玉食、无忧无虑，娴雅得如同一个春梦，也许，画家无意让她们经历世间的繁复，只让她们在画面上慵懒着，在时间里闲逸着。
在《簪花仕女图》之前，绘画大多表现的是历史宗教人物，那种亦仙亦幻的美，如同隔着浩渺河汉，离凡尘中的我们有些杳渺。周昉的《簪花仕女图》，却是将唐朝贵妇真实的生活场景推到了前台。也许，周昉无意留给千年之后的品评者太多有关唐朝生活场景的记录，他甚至不愿添加亭台楼阁做点缀，只是要把心仪的女子推到薄薄的绢素上，用细而简劲的线条，淡而丰富的敷彩，一遍遍地描，一笔笔地画，描画出薄如蝉翼的衣裙下肤如凝脂的质感，描画出丰腴婀娜的身姿里柔和恬静的美感，让千年之后的我们，蓦然回首，惊叹于她们遥远而逼人的美丽。
唐代仕女画的气氛是轻松与美艳的，观者尽可以在艺术家们流畅舒缓的线条引导下，从容地去欣赏这个时代的美。这些簪花女子，总是娴静地站立着，从唐朝一直站立到今天，身边依然是瑞鹤孑孑蝴蝶翩翩。连岁月的风，也生怕吹皱了她们薄如蝉翼的披帛襦裙。她们，健康丰腴，仪态万方，移步回眸之间仿佛有满怀心事，却只是散怀于廊下庭前，任时光如水漫漶。
兵马俑美术鉴赏论文篇四
：爱美之心人皆有之，审美是大自然所赋予人类的一种本能，所以对美的学习是当代大学生所必须要掌握的一门心理学知识。随着我国教育体制改革的不断深入，美术鉴赏课也逐渐走入了我们的大学课堂。美术知识的学习、审美能力的提升这些基本的学习内容无一不跟美术鉴赏课堂有关，因此美术鉴赏对大学教育的影响是非常深远的。因此，从美术鉴赏的概况、美术鉴赏的功能、美术鉴赏对大学生身心的影响这三个主要方面对美术鉴赏进行简单的论述。
：美术鉴赏；大学教育；影响
进入到新世纪以来，国家对素质教育不断提倡，所谓的素质教育就是要让学生在一种和谐、健康、积极的环境中学习和成长，为学生树立正确的世界观、人生观和价值观提供一个良好的环境。大学是培养人才的摇篮，而美术鉴赏是一个人必不可少的一项基本技能，因此美术鉴赏进入大学课堂是培养学生学会学习、学会自立、学会做人以及学会分辨善恶美丑的一项重要举措。那么美术鉴赏课究竟是如何对大学生产生如此大的影响的呢？笔者认为主要有以下几个方面。
（一）现状
进入新时代后，随着物质水平的提高，人们在温饱得到满足后开始增加了对物质文化的需求，在艺术感受和艺术需要方面有了更高的要求，文化的多元性在教育上得到了广泛的体现。当今社会需要的人才也由专一化转向全面发展，大学生自身也愿意去学习和接受各种形式的文化，注重提高自己的文化水平和素养。美术鉴赏属于比较广泛和普及、也是相对于比较好理解和接受的一种文化传递形式。美术作品可以开阔学生的视野，形成学生对美的鉴赏，作品传递的思想和表达的内涵，又可以培养学生对美的事物的判断和吸收能力，因此美术鉴赏受到广大学生和教师的喜爱[1]。
（二）特点
虽然美术鉴赏课程在各大高校都有设立，但它的教学内容和教学形式不一定就适合本校学生的文化需求。其不合理性主要体现在以下几个方面：1.课程设置不够完善和科学它的设置具有不均衡的特点，如对课程的安排时间不合理、课时较少、种类较少。一般美术鉴赏都为几个学期的必修课程，必修课程具有内容单一的特点，适用于专业课和基础课程的学习，但对于美术鉴赏这类灵活性较高的课程，可以根据学生想掌握的方面进行统计，设立多种课程供学生进行多样的选择，满足学生对于美术鉴赏的需求[2]。2.美术鉴赏过于形式化在大多数的大学美术鉴赏课堂上只是一味地进行美术作品的观赏，只了解教材上相对应的作品，没有深入地去了解艺术品的创作背景和过程，要表达的情感也没有进行深入地了解。美术鉴赏的最终目的不是知道一个作品的内容和作者这么简单，而是要通过对作品的鉴赏，达到自身审美素养的提高。
（一）认知功能
作为知识认知的一种方式之一，美术鉴赏不仅可以有利于大学生开阔视野，也有利于对更多知识的不断积累。美术鉴赏的内容往往千变万化，从古至今美术鉴赏就一直被人们广为推崇，比如古时候的人们对诸如瓷器、画卷、折扇等常见的东西进行美术鉴赏，通过鉴赏可以对其质地、产地以及铸造工匠等相关信息进行得知。由此可以知道：通过美术鉴赏可以帮助人们对于事物进行进一步地认知，现代人通过对于古时候的作品进行鉴赏时，除了上面所说的信息的认知以外，还能够帮助人们对了解其所出产的年代、艺术价值以及市场价格，等等。美术鉴赏的认知功能可以更好地提升大学生对于传统文化的认知，由于现在科技发展非常迅猛，很多人都在紧随着时代的步伐，人们对于事物的鉴赏能力也逐步提高，然而更多的是对事物表面的认知，却将其本质忽略了。因此，加强对大学生的美术鉴赏教育，在丰富了学生业余文化的同时，也能够帮助他们对事物进行更深层次地理解及认知[3]。
（二）教育功能
对于艺术的鉴赏，首先是提高了人们对于艺术作品的认知程度。在认知程度的基础上，更有利于我们去对艺术作品在艺术方面进行更深层次的发掘和探讨。通过对于艺术作品的创作者来进行分析，我们可以了解到艺术品的创作者在创作的过程当中是何种心理状态，以及创作者想要表达的艺术思想。例如：对宋代《清明上河图》的作者张择端进行分析可以知道，在他创作这幅巨著时所生活的年代的背景以及他所处的社会阶层，由此也可以引申到画中的内容，通过画中的内容可以知道当时的社会现象以及经济的发展状况，为我们能够更多地了解宋代时期的政治、经济和文化等诸多领域做出了巨大的贡献。美术鉴赏不仅能够起到对学生教育的作用，同时也培养学生的创造力，而创造力的基础必须经过教育才能够实现。因此，通过美术鉴赏可以丰富学生的想象空间，提高思维想象力，能够更好地开拓思维，并在潜移默化的认知过程之中不断地进行思维创新。
（三）审美功能
审美是人意识的一种特殊形态，是人在主观上对于世界的认知、感知与理解的过程。人的审美可以让人找到需要或者喜欢的东西，然而人的审美能力并非是天生所具有的，而是需要人们通过不断地接触事物，并在脑海中增强感知，再加以后天的教育从而培养起来的[4]。审美功能具有基础性和普遍性，同时，人的审美能力也是与道德相关联的一种感官能力。也就是说，人们具有审美的功能，就可以在对所认知和感知到的事物产生一种潜意识的审美思维，通过这种审美的思维，人们可以进行情感的把控以及表达。大学教育中，学生通过对艺术作品的鉴赏，不断地加强大学生对于审美方面的教育，不仅有利于陶冶个人秉性，促进学生形成更好的审美思维以及审美的理念，更有利于他们树立正确的人生观以及良好的人格魅力，也有助于在今后的学习、工作中能够发挥良好的创新思维和创造力，进而更好地服务社会和人民，创造更多的社会价值[5]。
（一）创造性思维的培养
我国的传统教育对青少年的创造性思维培养不够，这主要是因为长期的封建传统政策和小农经济以及将近几十年的计划经济管理体制的运行使人们的创造性思维受到了严重的压制。这种偏爱有知识和技能但因循守旧的社会结构使人们的思想处于一种被动的状态之中，人们忽视甚至忘记了自己的创造能力。因此，在美术鉴赏课堂中，我们不以培养学生的鉴赏能力为教学重点而是以培养学生的创造性思维能力为教学的最终目的[6]。丰子恺先生曾说：“想象是一个非常重要的东西，我们可以用想象是有形的东西变形，同时我们也可以用想象使无形的东西有形。”因此，在大学教育中美术鉴赏是一堂必不可少的课程。
（二）审美能力的教育
自然美、社会美、艺术美这些都是人类审美能力的涉及范围，我们生活的世界是一个灿烂的世界，这个世界上存在着太多太多的对比，如美与丑、对与错等。因此培养学生对美的审视能力，让他们善于发现生活中存在的美的本质是大学教育责无旁贷的一件事情。在美术鉴赏课堂中，教师通过对美术作品的讲解，拉近学生与美术家们的距离，使学生与美术作品产生一种审美关系，这样就会使学生在美的享受中提高自身的审美能力，并且能从教师的讲解中充分感受到美对身心的愉悦功能。
（三）广博知识的学习
艺术家豪泽尔曾经说过：“有的人也许天生就是艺术家，可是如果想成为鉴赏家就必须要经过学习与教育”。美术鉴赏课是根据人的理解能力而开展的一门课程，因此，学生对于知识的积累以及教师的适当引导是提高领悟力的一项重要因素。艺术来源于生活而高于生活，美术也一样，它们都来源于社会，并且都依附于社会而存在，因而如果想要领会美术作品的真正含义就必须要对美术作品所产生的社会背景、人文情怀进行了解与掌握。在鉴赏美术作品的过程当中，教师与学生通过双边活动来发现美术作品的种种外部关系以及深刻内涵，这就要求教师不仅要掌握广泛的美术知识，还要对这些知识进行不同的更新，确保自己所教授的是完整而准确的美术常识[7]。同样地，美术鉴赏课不仅仅是一门关于美术的课程，也是一门包罗万象的世界信息课。
（四）人格境界的提高
审美的中心问题是情感境界问题，美术作品的审美价值主要来源于人类丰富的情感体验。因此，优秀的美术作品往往具有陶冶人的情操、完善人的意志甚至提升人生境界的作用。例如：《长江万里图》中蕴含的浓烈的爱国主义情怀就可以激发起学生对祖国山河的热爱之情；拉斐尔的《圣母像》中母爱的融入使欣赏者能在第一时间感受到作者对母爱的歌颂；还有世界著名雕塑《大卫》，这座作品表现出的坚定、顽强的精神无时无刻不在影响着后人。当下国家提倡的素质教育就是要让学生以一种全面的姿态迎接未来，为学生树立起一个健全的人格而努力。在美术鉴赏课堂的教学中教师讲解的不单单是一些关于美术的基本知识，更是教会学生学习做人、认清美丑的基本常识。正义是美的、是被后人所敬仰的，邪恶是丑的、是被后人所不耻的、坚定是美的、是值得我们学习的，动摇是丑的、是我们不应效仿的。所以，美术鉴赏课对于提高学生的人生境界有着积极的指导作用[8]。
美术鉴赏是以视觉思维为主的过程，通过对艺术品的一系列的感知、理解、想象来升华自己。通过这种作品鉴赏的模式，可以更加直观地来引起共鸣，加深视觉冲击效果，而且在直观事物面前，人们的想象力和代入感也会得到发挥，从而形成更好的体验和更深的理解。美术鉴赏课在学生全面发展、完善自我能力素养上有着不可替代的重要作用，无论是学生还是学校，无论是家长还是各个教育机构，都应该提高对美术鉴赏的重视程度，一起进步，共同发展。
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兵马俑美术鉴赏论文篇五
美术欣赏和美术鉴赏都是形象思维过程，欣赏偏重于单纯的审美愉悦享受，鉴赏更多的是理性的认识。鉴赏是感情与认识相统一的精神活动，从作品的艺术形象中获得美的感受，并自觉地运用自己的全部知识来加深对艺术形象的理解。欣赏是感性的，鉴赏是理性的。
欣赏；鉴赏；感性与理性；精神活动
美术作品是视觉艺术享受，美术家创造的美术作品是供人们观赏的，但由于观赏者所受的教育和生活阅历不同，所以对美术作品的观赏态度和方法也不同，整体可分为两种类型：美术欣赏与美术鉴赏。
一幅美术作品呈现在观赏者面前时，不同层次的观赏者对作品产生的直观反映不同，许多观赏者凭着自己的直觉，直观地接受美术作品中与自己审美情趣相似的艺术形象，所以多是感性的，表面的，这种偏于感性和带有主观喜爱的随意性的观赏，就是一般意义上的审美活动，即美术欣赏。由于作品的可视性，欣赏者也会自然进行某种联想和想象，但都是从自身的喜好出发，缺乏理性的分析和判断，欣赏只是审美活动的初级阶段。
鉴赏过程中感性、理性相互渗透，鉴赏者对作品产生的感性美是瞬间的，随反复多次的观赏进入冷静思考阶段，把自己的美术知识溶进作品，从而体味到艺术形象所含的思想意义和形式美，并不断深化理解，获得新的审美享受过程。
由此可见，美术欣赏和美术鉴赏都是形象思维过程，欣赏偏重于单纯的审美愉悦享受，鉴赏更多的是理性的认识，任何人都可成为美术欣赏者，但不是都能成为鉴赏者。但鉴赏者也要通过知识运用正确的鉴赏方法。
美术鉴赏是对作品中所体现的美的追求和发现。任何一幅美术作品都是作者从自己所处的时代、生活和思想感情出发，借助艺术形象表达自己的`情感、认知。美术鉴赏者就是要在美术家创造的作品中寻求和发现美，以获得启迪和美的享受。生活中，美无处不在，但缺少对美的发现，那么，美术作品就是发现美，创造美的一种手段，而美术鉴赏则是从作品中再发现美的一种能力，鉴赏作品中艺术形象的美不是靠推理，而是从审美层面，运用审美知识、审美情感对艺术形象进行品味、鉴别、判断，发现其真伪、优劣、美丑，发现艺术风格、艺术流派及艺术表现、个性特点，美术鉴赏其实就是“美的发现”。
只有美的艺术形象才能引起观赏者的美感和情感，例如许多美术家喜欢画竹子，其实，自然界的竹子本无什么思想和性格，但是物性与人性有许多共通之处，自然界的竹枝内空而外有节，正应“气节”二字，所以画家笔下的竹子就被赋予了人的思想感情和个性了。我们知道清代书画家郑板桥的竹子享有盛誉，他本人对腐败的现实不满，他坎坷而不屈服的个性与竹性相同，于是借竹的“气节”来书写自己的性情品格，所画墨竹挺拔遒劲，老篁新枝错落有致，疏密有别，水墨浓淡枯湿富有变化，达到形式和精神完美统一，因此我们在鉴赏郑板桥的竹子，就要发现画家寄托于竹子身上的特殊情感和认识，发现、体味他所写的竹子的独特的美。
学会鉴别不同艺术风格的美，艺术风格是艺术家个人风格和创作个性在艺术创作中的体现，是不同的审美理想、审美情趣在创作中的反映。比如，达芬奇的绘画充满科学和智慧，米开朗基罗的雕塑充满力量、勇敢，拉斐尔的绘画充满祥和、温柔、美丽。他们三位艺术家同处于一个时期，但风格完全不同，使我们在鉴赏过程中获得不同的审美享受。
鉴赏中欣赏和发现美的另一层含义是在鉴赏中发现自己，郑板桥的竹子深受欢迎，说明我们内心深处有与竹子相似的“气节”性格，在鉴赏中发现鉴赏者自己，从而得到一种自己发现的喜悦。艺术形象中有“我”的思想感情、爱好趣味或理想的影子，而“我”能鉴赏对象中的美，又是因为“我中有物”，所以鉴赏艺术形象时，也常常处于自己欣赏、自己肯定的精神世界。
总之，美术鉴赏是对美的追求和享受，美术的本质就在于使观赏者感到愉悦，我们鉴赏美术品，目的是从作品中获得美和享受美的愉悦感，这是精神的享受，这种享受来自两个方面，一是发现艺术形象的美，另一方面发现、获取艺术形象的真谛，我们将运用鉴赏的知识在日常生活中发现美、创造美。
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兵马俑美术鉴赏论文篇六
院系：电子与电气工程学院
班级：129711
学号：
姓名：王艳梅
电话：
指导老师：薛文勇
书法班次：13春16班
学年学期：20xx年-20xx年第二学期
生活中的美
——美术鉴赏课有感摘要：美是生活不可缺少的一部分，学会欣赏美术便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习美术鉴赏是一门很重要的课程！在这门课程的学习中我们能够学到很多东西。所以，我很高兴这个学期学习了美术鉴赏这门令人陶醉的课程，在老师的带领下，我们在美的世界里留连忘返，学习了许多关于美术的基础知识和发展历史，了解了许多享誉世界的伟大画家，欣赏了许多耳熟能详的经典美术作品，仿佛在紧张的学习之余让自己的心灵找到了一个畅快休憩的迷人小岛。
【关键字】生活美术鉴赏
美术，作为一种美的表达形式，在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。
在日常生活中我们可以深刻的感受到美的意义所在。在这个课程的学习过程中我们在一定程度上了解了中国的传统绘画，体味到了中国传统绘画的魅力。我们都从中感受到了华夏传统的美妙，体味到古典的魅力所在。同时我们也了解到中国不同的美术种类，在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。中国是有着悠久历史的国度，其美术的发展历史更是一部丰满的史诗。
生活就像火焰，跳动在红色的起点；生活就像水流，流淌在清新
的田野；生活就薄雾，飘散在命运的蓝天；生活就像树叶，成长在希望的眼前；生活就像大海，不屈在坚实的地平线。生活是美好的，它需要发现美的眼睛。生活中有许许多多的美，它体现在不同的地方。有着不同的特色。细细体会，你会觉得生活很美。
倘若说欣赏自然之美需要睿智和一双善于发现真谛的眼睛，那么欣赏人间真情，则需要有细腻的情感。在高速发达的现代社会，大多因生计而疲于奔波，身边的零散琐碎的事情往往被忽略了，渐渐地把日子过得淡然无味，一头雾水，不知道生活到底为了什么？“母亲啊，你是荷叶，我是红莲，心中的雨点来了，除了你，谁是我在无遮拦的天空下荫蔽？”，作家冰心的细腻由此可见一斑，这应该是她最真挚情感的表白。细腻的情感燃烧时，身边的细微的美肯定会熠熠生彩、璀璨夺目的。此时的生活还会索然无味么。
一次素不相识偶遇的帮助，这也是生活中的美。一次帮助，一声亲切的问候，身边碎事情看起来似乎而繁杂，不经意中大多放弃了，长时间的漠然必然麻木不仁，也就无从谈起美的存在。美是一种毫无标的的愉悦。如果你会欣赏，你会觉得生活之美。
正所谓生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛！的确，生活是五彩斑斓的，生活需要发现，需要我们怀着快乐的心情，乐观的心态去感悟，有了发现与感悟，生活的万花筒才会色彩缤纷，人生的旅途才会熠熠生辉！
当你怀着“曲径通幽处，禅房花木深” “山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的心情去感受生活时，你不难发现:曲折中有佳境，艰难中有趣味。当你用心去接触生活时，你不难发现:沉默的会变得亲切，平淡的会变得精彩，丑陋的也会变得美丽！
岁月无声在我们身边穿梭，你会发现一切美好的事物在脑海中定格。秋日的斜晖投下了俏丽的影子，树叶像一只只彩蝶，在空中翩翩起舞，在自己生命的最后一刻尽情演绎自己的美丽，落叶归根！夏夜的繁星调皮地跟我们眨眼睛，有了星星陪伴，任何烦恼孤寂便销声匿迹。春日里“随风潜入夜，润物细无声”的细雨，吹面不寒杨柳风，万紫千红的百花，冬日里银妆素裹的世界。
时间不断流逝，不会因某个瞬间停驻，就像两条平行线把距离拉得再近也没有交点。我们要做的是把纷至沓来的忧虑、烦躁、苦闷、悲伤？?变化成绚丽夺目的五颜六色，给心情涂上颜色，为生活着上颜色。给心情涂上颜色，我们能够在明丽的日子想到日后还将出现狂风暴雨；给心情涂上颜色，我们能够在失落的时候想到前方还有繁花似锦；给心情涂上颜色，我们能够在心灰气馁的时候想到生活中还有自信坚强；给心情涂上颜色，我们能够在失败挫折的时候想到成功的路上还有胜利的曙光。
解到中外美术能够完美的结合。美术就是拥有这样神秘的力量。经过课程中与美术的相处，我被深深的吸引了，开始更加热爱美术。
通过美术鉴赏课的学习，我也深深体会到美术也是从生活中而来的。一切皆源自于生活。生活也是美术的重要出处。品味美术就如同品味生活，让人感受其中的种种喜怒哀乐。对待美术的态度其实也是对待生活的态度。乐观，悲观，皆如美术一样。美术是生活的调剂品，它能使你的生活更加多彩。我们能够通过欣赏一幅画，一处建筑，来亲近艺术，从而喜欢艺术，热爱艺术。在美术欣赏的过程中美术所展现的内在美会极大地感染我们，我们的性情和爱好会在艺术欣赏中得到净化。随着艺术视野的开阔，我们的精神面貌会得到升华，高尚的人格素质和审美情趣也会在愉悦中形成。可以说，美术鉴赏是人的心灵体操，是灵魂的净化剂，它能穿透人感情麻木的恺甲，使人们在内心世界留下深刻的印象。美术鉴赏课对人的综合素质的提高，对人的身心发展起着非常重要的促进和补足作用。对人的性情有极大的陶冶作用，会使人成为一个感情丰富的人，一个有格调和品位的人，一个富有同情心的人，一个拒绝暴力的人。
兵马俑美术鉴赏论文篇七
《大宫女》这幅油画创作于 1814 年，它的作者是法国画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔。安格尔创作的这一幅《大宫女》和其所创作的其他宫女题材的油画有着明显的不同，这一点从安格尔刻意将这幅作品命名为《大宫女》这点可以看出来。《大宫女》这一幅作品充满着独特的格调，安格尔在《大宫女》当中的用色更体现出浓厚的异国风韵，以及装饰性的美学考量。这一点也促使安格尔的《大宫女》和古典主义的油画美学之间产生一定的差别，无论是颜色，还有其腰身的比例，都和传统的西方古典主义油画艺术规则有所冲突，也正是如此，《大宫女》才能够很好地将观赏者震慑住，使观赏者受到这种美学的吸引，从而构建出独特的美学空间。
安格尔创作的《大宫女》在当时就已经有很大的争议，因为安格尔创作的《大宫女》之中，宫女的体型是如同平面几何一般，并没有充分和现实当中的女性身材比例进行衔接，这一点和西方油画一向来追求精益求精的写实风格之间就产生了一定的冲突。但是，这种夸张的比例，却能够很快地造成视觉上的关注，而且蓝色的背景与宫女的身体颜色之间的冲突不和谐，也造成了非常大的视觉冲击，这种颜色的对撞、人体基本身体结构出现的错位，代表着一种属于安格尔风格的审美。
安格尔创作的《大宫女》首先是一个明亮颜色和冷暗颜色之间的撞击对比。西方古典主义的油画创作过程当中，强调油画画面之中颜色与颜色之间的自然过渡，只有进行恰到好处的过渡，才能够更好地让整个画面进行融合。不过安格尔创作的《大宫女》则不然，整个宫女的背景采用的是冷色调的蓝色，而宫女是裸着身子的，宫女的身体肌肤却是使用明亮的浅黄色，这两种颜色之间，安格尔并没有采用其他的颜色作为过渡。这样一幅《大宫女》的颜色之间就形成了激烈的冲突，这种冲突虽然和古典主义的绘画风格差异甚大，但是却能够给观赏这一幅画作的观赏者留下深刻的影响。
安格尔创作的《大宫女》第二方面的美学特征就是他与众不同的人类身体结构设置。从整幅《大宫女》看，大宫女这个人物形象身体各个基本结构之间的比例是失调的，仿佛是几何堆砌一般，安格尔创作的《大宫女》，其身体躯干的比例远远大于其他身体结构的比例，因此，安格尔的这一幅《大宫女》违背了古典主义油画创作过程里的追求写实的风格，而呈现出一种追求艺术进一步采取夸张的手法，让《大宫女》当中的大宫女形象，以这种看似畸形的几何式夸张，展现出一种独特的美学艺术上的张力。
而且安格尔所创作的《大宫女》还蕴含着一种欲望的美学。因为当时的法国军队和奥斯曼土耳其帝国展开战争，当时最终被奥斯曼土耳其帝国所击败，所以在安格尔所在的时代里，法国在相当长的一段时间创作了许多熟练的奥斯曼土耳其内宫宫女画像，这些目的在于从艺术的角度满足法国人内心的征服欲望。而安格尔创作的《大宫女》，目的就在于以一个奇特的宫女的形象隐喻着奥斯曼土耳其帝国，必然会被法国人所征服，裸体的奥斯曼土耳其帝国内宫中的宫女形象，欲盖弥彰的欲望，通过安格尔以新式的艺术手法，加以渲染和雕琢。
究竟是采用素描的方式，还是更注重色彩，这一点在安格尔的艺术创作过程当中，特别是在《大宫女》的创作里，更多注意到了结构上的素描运用。但是，这并不意味着安格尔在《大宫女》这幅作品当中完全就没有关注色彩，与此相反，安格尔在《大宫女》中的色彩搭配以及应用是非常鲜明以及大胆的。
冷色调作为这幅《大宫女》的背景色彩。在大宫女欧达丽丝克的背后是一幅半垂着的帘幕，这个帘幕实际上起到了点缀的作用。一般欧洲古典主义的绘画色彩艺术，主要是注重色彩的过渡和衔接，然而安格尔刻意使用这种冷峻的颜色作为衬底，目的在于表达出一种寂静、理性，这和狂热的女性躯体的暖色调形成了对比，从而演化成为一种对比下的艺术张力。
红色作为另一个重要的颜色，却在对于《大宫女》的色彩美学鉴赏之中，容易被忽略。实际上这种色彩美学是非常独特的，因为安格尔采用了红色作为点缀，让红颜色点缀在大宫女手中的孔雀羽毛扇子的扇柄中。而在欧达丽丝克的脚部，也有一段红色的点缀，那时旁边小桌子的椅脚。这两点都分别对检查在冷峻的背景颜色和柔和的躯干颜色之间，从而形成了一种炽热似火的美感，让人们看到欲望膨胀的顶端，从而与冷峻以及柔和形成了三种不同的色彩艺术话语。安格尔并不刻意去处理这三种颜色的冲突，而是将这三种冲突结合到一起，形成了互相撞击的状态，给观赏者带来很强烈的视觉震撼。
安格尔创作的《大宫女》虽然经历了两百年的时间，但是这幅作品至今仍然是美术界的杰作。安格尔创作的《大宫女》运用了充满冲突和撞击的颜色比对，以及超乎想象的非写实结构，从而让安格尔的《大宫女》给人们带来非常大的视觉冲击，进一步让这一幅画作所表达的欲望与理智更为突出地展现出来。而安格尔在处理《大宫女》画作过程当中所形成的艺术风格，也对后来新古典主义绘画艺术的崛起，提供了重要而宝贵的艺术实践。
兵马俑美术鉴赏论文篇八
《洛神赋图》为东晋顾恺之所画。画面内容根据曹植的《洛神赋》创作而成，描绘的是曹植与洛神相逢，但是洛神确无奈离去的情。分享了洛神赋图美术的鉴赏论文给大家欣赏！
：《洛神赋图》是最早的以绘画的方式再现一个文学作品的绘画，将一个浪漫主义题材的名篇转化成了绘画史上的杰作，表达出原文中的似幻似真的场景，将洛神无可名状的美丽描绘的令人神往，带给人以无限的美的享受。
他用这篇美文，形容他心目中的美人，“其形也，翩若惊鸿，婉若游龙，荣曜秋菊，华茂春松。髣髴兮若轻云之蔽月，飘飖兮若流风之回雪。远而望之，皎若太阳升朝霞。迫而察之，灼若芙蕖出渌波。秾纤得衷，修短合度。肩若削成，腰如约素。延颈秀项，皓质呈露，芳泽无加，铅华弗御。云髻峨峨，修眉联娟，丹唇外朗，皓齿内鲜。明眸善睐，靥辅承权，瓌姿艳逸，仪静体闲。柔情绰态，媚于语言……”这样一篇美文，受到世人的喜爱和追捧。也激起了当时的绘画奇才顾恺之的创作想象。因而有了这样一幅美轮美奂的《洛神赋图》。依照文中描述的场面，转化为视觉的美景。
这幅画卷所描绘的是，曹植从洛阳到他的封地，这段路途中经过洛水的时候看见到洛神女的情景。虽然说是一个虚构出来的梦幻境地，但是，画卷所忠于的是赋文的结构顺序，选择比较重要的内容来进行描绘，并且用具体生动的形象，依照赋文来给观者讲述，洛神赋中所要讲述的故事的全部过程，成为了一幅千古流传的佳作。在画中，曹子建带着自己的随从，在洛水之滨，凝神张望，好像看见了思念很久的洛神。远处凌波而来的洛神，她的衣带飘逸，动态委婉但是从容，她的目光凝注，表现出来了关切以及迟疑的神情，曹子建与洛神这二人的思念之情，全部都在卷面中展现出来，令人动情。全图绢本设色，艳丽明快，线条准确流畅，充满动感，富有诗意之美。
在中国古代，思想文化发生了巨大变化的时期就是魏晋的这一段时期，同时，中国古代的美术史，在这个时期也是有着重要的发展以及过度。在思想上，因为玄学的兴起，其中的文人学士所崇尚的是“清谈”，对于名教是藐视的，比较喜欢将自己的个性张扬出来，这就是魏晋时期文人的风度。他们在创作绘画的时候，会赋予进去他们自己本身的一种世界观、审美观以及价值观。在这样的大时代背景下，他们不被一些世俗的观念所限制住自己的思想，从而有许多非常著名的画家在这种大环境下诞生，著名的画家中顾恺之就是其中的一名，并且，这一幅《洛神赋图》可以说是在这个时期，非常重要的代表作品。
从《洛神赋图》中可以看出，它所采用的造型以及设色的方式都是古代壁画的一种，它其中对于内容的构图中，是与汉代的一些画像石的布局非常类似的，就好像是今天我们所常见的一种连环画。在《洛神赋图》中的主人公以及对于故事情节的讲述都是在山水树木这一个场景中开展出来的。虽然说这幅图主要的是人物画，但是其中的背景是大量的山水图画。从这幅图中，我们可以在其中领略到中国古代比较早期的一种山水画雏形。山石无皴擦，树木如张扇，布局平列，有些"人大于山，水不容泛"的味道。比较早期的研究山水画的创作以及理论的著名大家中，顾恺之也是在这其中。所以，在《洛神赋》这幅图画中，可以看出山水部分的画法，在当时是具备了大众的审美意象以及艺术形式的。
用绘画的形式将一个文学作品再现出来，《洛神赋图》这是最早的一幅绘画。在这个时期之前，美术作用所体现出来的功能主要还是非新商品，其中的作品很大部分都是历史的典故、忠臣烈士之类的作品，其主要的目的还是在于“歌功颂德”、“成教化、助人伦”，主要的还是为统治阶段作为服务的，对于《洛神赋图》的出现，那就显得了格外的珍贵，具有着非凡的意义。
在绘画的意境上，体现出展现出诗的氛围和情趣。该图在表现原诗的内容上有过之而无不及，所带给人们的形象就是一种“视觉诗”这是一种从未有过的形象，并且更是画与诗相互结合的一个典范。其次的一点，就是书法在这幅画中的地位以及作用。书画同源虽然说比《洛神赋》出现得晚，但是，这幅画其中的笔法遒劲有力，挥洒自如，将书法的功底完美得展现出来。
在传统的中国画中，这种画与诗歌、书法，三种艺术形式相互结合起来，使得了中国画更凸显了精神性文化的内涵。“画是无声的诗，诗是无形的画”这给予了无限的想象空间。
在魏晋南北朝的这个时期中，《洛神赋图》可以说是这个时期的一幅旷世奇画，同时也是诗与画相结合的一个重要典范，并且在当时，这幅画也具备了当时所普遍认同的一个美学特征，同时也可以代表中国在那一个时期，绘画的最高水准。这幅画卷从各个方面上来看，无论是对于内容的构图还是艺术结构或者还是对于人物、环境的刻画等等，种种表现出来的形式，都不愧于是中国古典绘画中的瑰宝。
[1]雷灏。感动中国的100幅古典名画[m]。武汉：武汉出版社，20xx（4）。
[2]（晋）顾恺之绘周殿富。洛神赋图人物传[m]。安徽人民出版社，20xx.
兵马俑美术鉴赏论文篇九
形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。关于传神论早在汉代就有了萌芽，其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”，而当时著名的画家王延寿则表示作画要“随色象类，曲得其情”。这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者，并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。而到了东晋时期，绘画艺术由“自发”转向“自觉”，而陶瓷雕塑也不例外，典型就是顾恺之的东晋画家顾恺之提出的“以形写神”“，以神造形”“，传神写照”等论点，这些论点无不显示出形神合一的理论特色，自此以后，形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展，在中国文化整体大兴盛的前提下，艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐代的张彦远所说的“以气韵求其画，则形似在其间”。这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“，气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“，气韵”说更是得到了文人士子们的支持成为之后艺术品的必须要求，甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效，甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中，一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。
陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。所以体、形是“实”，神是“虚”。对于陶瓷创作者来说，首先要考虑的就是体与形，在现有的技术利用，使外部空间与雕塑实体有一个和谐的环境，在进行艺术创作时，在观察周围环境的情况下，进行一种合理的嵌入式的艺术，所以在一定形式上说。即精神之最高境界“始于形似，止于神似”。最后，在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来，如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体，一方面利用大规模陶俑数量和军阵的整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合，再这样契合的情况下，甚至于是它们创造了一个外部环境，用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的，二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体，这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现，在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。这样作品的神韵就越发强烈。思想性越深刻，主题越明朗，感染力也越大。
让雕塑形神合一，不仅是许多陶艺家们的追求与梦想也是很多陶瓷雕塑爱好者们的一致要求，只有形神合一，才能给他们一个好的艺术欣赏体验，在这样的情况下，形神合一，必须找出一个可操作的办法。达到“形具而神生”的地步。但这些情况必须也要建立在造型美观的基础上，唯有如此才能有一个好的精神载体，只有这样的精神载体才能体现形神合一，才能满足其需要。
首先，要有准确且精致的造型，准确且精致的造型是进行形体创作的基本要求。造型的净值与准确与否直接影响到陶瓷雕塑的好坏程度，一旦造型失范，比例失调的那么造成的结果就是陶瓷雕塑神韵表达缺乏一个好的载体，即使有再好的精神内涵，也会被外部的问题所掩盖。因此，为了使精神能够得到最好的发挥，必须重视造型能力，进行一定时间一定量的培训。使创作者的造型能力得到进一步一定提高。
其次，对于一个表达对象来说深入的观察是必不可少的，除非有时为了得意忘形，否则一切的精神创作必须依附于原有表达对象的实际，但是对于这样的一种实际有时候也不能很好地表达所以必须能使用形象思维、逻辑思维、整体思维的方法对艺术形象进行适度的改良和合理的夸张。抓住艺术作品和艺术形象的本质以及其在现实中的本质，使他们有机地进行结合，并在结合的过程中进行一种社会性的升华，最好有一种高大的人文关怀。
再次，陶瓷雕塑毕竟是由人创造的所以人的因素自然是不容忽视的，一个人有自己的生活，有他的人际关系圈子，有他的社会经历，他自己的知识范围，这样就会使作者有自己的思想感情和真实感受。而这也不可避免的会影响到作品，毕竟艺术来源于生活，但高于生活，生活的实际又是艺术家进行创作的前提和灵感的来源。一件艺术品，尤其是陶瓷雕塑，其创作出来以后一定会受作者心境的影响，体现作者自身的心灵变化和人格转动。艺术作品的形神合一是作者在一个好的状态下的集合体。所以就要求作者多体验生活，在生活中丰富自己，多进行修身养性的活动，提高自己的精神品质，只有这样才能使自己的艺术修养和文化素质得到大的提升，使自己的作品与自己心灵的契合。
在进行陶瓷雕塑艺术创作时，最好有一个大的人文关怀。正如黑格尔所说“:心灵和它的产品比自然和它的现象高多少，艺术美也就比自然美高多少。”要创造美必须体验美，在体验的过程中发现自身独特的精神美，同时也发现艺术原型的精神美，在二者之间寻找一种优秀的中点，在这个中点中以始形至神，意在塑外为美学原则。创造自己的艺术意境，唯有自己的艺术意境，才是最适合自己的，同时也容易使欣赏者产生一种艺术下的心理共鸣，这样大的心理震撼，既是创作者的享受也是欣赏者的享受，还是艺术品自身价值特别是社会价值的体现。而每个雕塑者只有沉下心去，以艺术的眼观察生活，才可以有这样精致的艺术形象。
