每个人都曾试图在平淡的学习、工作和生活中写一篇文章。写作是培养人的观察、联想、想象、思维和记忆的重要手段。相信许多人会觉得范文很难写？下面是小编为大家收集的优秀范文，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
舞蹈论文范例篇一
舞蹈作为一种艺术形式，被越来越多的人所关注和热爱。随着社会的发展，舞蹈的表现形式也不断变化，不止是舞台上的演出，更是在各个领域中运用，成为人们生活的一部分。在我接受舞蹈专业教育的过程中，撰写舞蹈论文是很重要的一部分。通过这些论文的写作，我不仅学到了关于舞蹈的理论知识，更重要的是，学到了如何去理解和解读这门艺术形式，进而深入地探寻其意义与内在的逻辑。
第一段，论文的产生和目的：在论文的写作过程中，我深刻认识到一个问题，那就是舞蹈并不是简单的动作的堆砌，而是需要有深度和内涵的艺术形式。在写作舞蹈论文时，我们需要较为全面地考虑到舞蹈的各个方面，如音乐、舞蹈动作、舞美、选材等等，从而得出一个有说服力的结论。而这个结论并不仅仅是对于一个舞蹈作品的评价，更应该是对于这个作品及其创作过程的探究和分析，甚至是指向这个社会的一些问题和思考。
第二段，论文的过程和方法：在撰写论文的过程中，我们不仅要有自己对于舞蹈作品的看法和思考，而且还需要采用系统和科学的方法来分析和描述这个作品。例如对于音乐的分析，可以从节奏、旋律、和弦等角度入手；对于舞蹈动作的分析，可以从控制、技巧、力度、情感表达等角度进行；对于选材和舞美的分析，则可以从意象、主题、传达的内涵等角度去思考。通过这样的分析和总结，才能得出一个对于整个作品最为全面的了解。
第三段，论文的创意和贡献：在写作舞蹈论文的过程中，我们需要有一定的创意和见解。即便是对于同一个作品，在不同人的分析中，也可能得出不同的结论和看法。这个时候，我们就需要灵活地运用自己的想象和创意，去探寻这个作品背后的文化和历史内涵，超越表面的现象，而是从一个更深层次的角度出发，研究作品的学术价值和艺术价值。
第四段，论文的阅读和收获：作为阅读者，对于一篇好的舞蹈论文，我们能够从中学到很多。首先，我们可以加深自己对于舞蹈艺术的认识和了解，从而能够更好地欣赏和理解舞蹈。其次，我们可以学习作者的写作方法和思维方式，从而得到一些有用的启示和建议。最后，经过一篇舞蹈论文的阅读和体验之后，我们可能会对于这个作品有更加深沉和全面的感受。
第五段，论文的价值和意义：舞蹈是一门艺术，但是它也可以是一个社会进步和发展的载体。在今天的社会中，舞蹈不仅是一种娱乐，更是一种文化交流和创新的力量。撰写舞蹈论文是对于这个艺术形式的认知和理解，也是对于这个社会的责任和使命。我们需要去认真地思考舞蹈作品的意义和价值，以及它们和我们生活的关系，从而推动这个领域的更深层次的发展和创新。
舞蹈论文范例篇二
摘要：云舞隶属“字舞”范畴， 是古时百姓祈雨仪式中的舞蹈。安徽现存云舞保留下来较为完善的有郎溪县的“姚村云舞”、休宁县的“云舞”与潜山县的“十二月花神”.为了探寻云舞的历史渊源及其发展脉络， 实地考察并采访了传承人， 现场记录表演仪式全过程， 并查阅当地现存史料， 比较三地的云舞表演形式， 归纳了云舞在当地山区的存在价值。
关键词：云舞； 类型； 舞蹈； 渊源；
安徽民间云舞是一种老百姓喜闻乐见的舞蹈形式， 舞蹈目的是祈求上苍降雨沐浴大地万物， 以实现庄稼茂盛、五谷丰登的愿景。安徽境内现存云舞一支分布于徽州地区 （现为黄山市） 休宁县海阳、万安、五城等村镇， 舞蹈名曰“云端舞”， 又称“扯云端”“舞云端”;另一支分布于郎溪县姚村乡， 舞蹈名曰“云舞”.二者同属舞蹈中的“字舞”范畴。
云舞同其他艺术形式一样， 是在人们的生产生活中提炼加工而成的。云舞的发祥地是典型的山区， 如姚村乡石佛山， 其巅有“石佛撑云”之美景， 一年四季云雾缭绕， 人居其间如入仙境。山里人长期体会着这种出门抬头见云彩的生活， 于是有人用竹片和硬纸扎成云朵状玩具供孩童玩耍。众孩童手执“云朵”， 追逐蹦跳， 嬉戏舞蹈， 便有了云舞的雏形。当地民间艺人从中获得创作灵感， 创作出独树一帜的舞蹈。起初的云舞仅仅作为龙灯、马灯的伴舞， 后逐渐发展成能在广场和舞台上独立表演的一种舞蹈艺术。
这一形式在当地有深广的民众基础。据记载， “祈求雷公场面， 进香求拜天神， 渴望风调雨顺， 人民扎龙为嬉， 以兆丰年”的民间舞龙活动在南宋时期就已流行。如姚村每年的农历七月三十是石佛山庙会节， 方圆百里数万百姓纷纷前往石佛山敬香拜佛， 祈求上天保佑风调雨顺、国泰民安。
随着时代的变迁， 古老的跑云灯形式得到变更， 此刻的云舞就是在跑云灯基础上不断提炼、反复加工升华而成的， 无论表演形式还是主题资料， 既有民间传统古典口味， 又有从不一样角度进行的艺术表现形式创新。
安徽云舞主要分布于长江以南的丘陵地带。虽然沿江有充足的水源， 但丘陵山区无法靠天然水源灌溉， 当地的农耕主要靠自然降雨解决。由此， 在长江沿岸的丘陵地带， 按地域与当地风俗划分， 由西向东依次是姚村云舞、休宁云舞、潜山云舞。
1. 姚村云舞
当地民间艺人从生活实践中获得创作灵感， 创作出独树一帜的舞蹈， 后逐渐发展成能在广场和舞台上独立表演的一种舞蹈艺术。据老艺人回忆， 独立出来的云舞仍沿袭原有跑灯的活动习惯， 由该乡群众自发组成的云灯会负责人召集， 筹措经费、排练指导。会首由云灯会推荐地方有才艺且德高望众的老艺人担任。除夕试灯焚香放鞭炮， 演练跑云阵式， 做好春节玩灯的准备。正月初五正式开灯， 会首率领出灯队伍首先前往石佛山大庙及山庙朝拜， 敬香祭祖， 求天神赐恩赐福；之后回到古戏楼进行一年的首场演出；随后便到周围各村庄送灯贴， 表示贺春， 通常称“送灯”.那里的百姓通常有接灯的习惯， 家家户户都事先准备好糕团、糖果， 齐放鞭炮迎接。跑云灯进入自家堂屋绕行一圈， 象征着“云灯进堂， 人丁兴旺”.
随着时代发展， 云舞歌舞的演出没有了昔日那种带着大地温度的“庄重”与“繁华”， 主要是参加各种表演和比赛， 失去了诸多前奏与后缀。云舞， 顾名思义， 以跑云为主， “云”的编排是重中之重。这其间不知经过多少代艺人之手不断被改善， 但其基本形态数百年来一向坚持[2].
表演人数根据场地大小、实到跑云的多少确定。一般为二十一人， 其中跑云者十六人。两人各持一云片， 云片系马粪纸做架， 再彩绘云形。男女各半， 男的头扎白毛巾， 穿白布短褂， 白灯笼裤， 代表白云；女的穿彩绸褂裤， 腰围绣花兜兜， 代表彩色云朵。穿花跑四角或摆字亮相， 犹如天女散花， 舞姿造型优美。另五人为捧花主角， 一般由容貌姣好的少女组成。她们的衣着与跑云女相同， 道具则为花篮。篮内插满鲜花和五谷， 象征着吉祥美满、五谷丰登。尾声， 舞者用手中的“云朵”排成汉字造型。一声锣响， 在三秒钟之内排成一个字。舞步轻盈欢畅， 舞姿翩翩柔美， 往来穿梭， 忽如祥云轻移， 恰似福祉降临。
根据实际情景和主题不一样， 又可贯穿不一样资料于其中。如在云片背面写上不一样资料的文字， 由演员手持列出， 进一步突出演出宣传的主题或明确其纪念意义。云片大小规格不一， 近年来越来越多的小朋友加入了表演队伍， 其云片尺寸变小， 龙灯、马灯、花篮皆相应缩小。整个舞蹈过程中， “云”的形态千变万化、多姿多彩， 暗合节奏的进程， 阴云、乌云、墨云、彤云、祥云、彩云等皆有展现。
云舞的热烈高潮之处， 穿插龙灯马灯表演， 有游龙穿云之势、深蛟潜海之威， 更有翻江倒海之猛烈和龙争虎斗之雄壮。全程演出舞中有歌， 以歌伴舞， 集歌、舞、吹打乐于一体。锣鼓在云舞过程中的使用， 使得演出场景更加浓重热闹， 烘托了气氛。演出过程中的锣鼓采用长套和快番两种节奏， 将龙灯、狮子、旱船、锣的各种打法相结合， 同时用戏剧中的锣鼓点， 联合组成了一个较完整的联曲锣鼓套路。演出时色彩浓郁的民间唢呐、清脆的笛声及二胡均由司鼓指挥， 时快时慢， 伴奏交替交换， 渲染舞蹈欢乐气氛。云舞表演场面宏阔热烈， 动静相衔， 完美融合。伴奏多为打击乐和唢呐曲牌两种， 热闹纷呈。当前， 云舞的舞蹈部分已基本定型， 适宜演出， 效果受到肯定。但唱词及唱和部分还处于脱节状态。当然， 此刻少了古代祈求降雨的场合， 那种祈求雷公赐雨的经道语 （上天神灵， 为我黎民， 风调雨顺， 五谷丰登） 已几乎失传[3].
2. 休宁云舞
休宁县境内流行的云端舞都由民间的一种叫“灯棚”的戏班表演。每到一地， 白天舞狮舞叉， 舞水流星、火流星， 舞刀枪棍棒， 并表演其他歌舞、杂耍、武术；晚上则演一些徽昆小戏， 如：《大财神》《万花》《跳加官》等。为了吸引观众， 不论白天和晚上， 演出前都喜用云端舞造成欢快气氛， 以招揽观众。
云端舞在流传过程中构成两种表演形式：秀阳乡钗坑村用云片表演；五城区洪里乡唐川村及万安区潜阜乡里余村用云旗表演。一人执大旗翻筋斗领队， 8~12人执小旗变化各种队形图案。
云端舞队形变化复杂， 技巧较高， 要经过长时光训练方能胜任表演。表演者均为贫家男性少年， 拜民间的昆曲、徽剧老艺人为师， 在冬季农闲时排练。新春佳节、喜期吉日在本村演出， 或应邀到外村， 近则本乡， 远则百十里之外。邀请者管吃而无工钱， 仅有灯棚中出名的艺人才能得到少量报酬。灯棚是临时聚集的半职业性民间艺术团体， 洪里乡唐川村的胡永平 （1906年生） 曾带班至江西婺源、浙江开化等地演出， 受到群众称赞。云端舞带有很强的竞技性， 群众常以能否表演该舞及演技优劣作为衡量班社技艺高低的标准， 所以表演者总是想方设法年年创新。
据秀阳乡钗坑村舞狮班艺人金阿荣 （1916年生） 、巴富贵 （1921年生） 及唐川村老艺人胡永年 （1892年生） 介绍， 清同治年间， 徽班已趋向衰退。一些身怀绝技的徽戏艺人离散异乡， 走向农村教艺。较大的村庄青年人多， 财力雄厚， 就演出一些大戏；有的村庄人少力弱， 只能演一些小戏或折子戏。云端舞备受一些交通闭塞、文化落后、资金不足的乡村欢迎， 因而一时光在休宁流传开来。休宁境内能演此舞的班社最多时有20多个。但到民国三十年 （1941年） 时， 仅存少数戏班表演此舞。1952年， 钗坑班、唐川班及其他班恢复演出。1953年休宁县业余民间艺术会演时， 钗坑村戏班表演的云端舞获奖， 之后又参加过芜湖专区业余民间艺术会演， 之后再未演出。
云端舞的音乐结构为徽、昆腔曲牌体， 歌词浅显易懂， 感情流畅， 唱法工整对称， 为七字句或十字句。伴奏乐器以徽胡为主， 配以笛子和琐呐 （当地称“大清”） .打击乐器音色较低沉、浑厚， 有时光杂使用京锣， 产生出欢快、喧闹的交响特色， 具有浓厚的乡土风味和生活气息。
3. 潜山“十二月花神”
“十二月花神”流传在潜山县黄泥镇一带， 是当地民间灯会、庙会中的主要表演节目之一。十二名少女扮成代表十二月花卉的花神， 左右手各持云片一枚， 翩翩起舞。祈求大慈大悲观世音菩萨“霖雨苍生”， 老百姓的生活完美， 如花儿绽放般美丽。
表演时， “观音”手持云帚 （又称拂尘） 盘坐在莲台上。左侧站立一名童子 （文童） ， 左手捧盛清水的净瓶， 右手拿杨柳枝叶， 用柳叶蘸清水挥洒， 表示“霖雨苍生”， 滋润百花。另一名童子 （武童） 在莲台前翻筋斗， 然后回头向观音一拜， 谓“童子拜观音”.十二名少女扮成代表十二月花卉的花神， 在莲台前翩翩起舞， 表现受到观音挥洒的甘露滋润， 应时开放。十二月花神多随灯会或庙会舞队在行进中表演。到了商店或居民门前， 如果主家放鞭炮迎接， 便开始表演 （即演唱一段或两段歌词） ， 唱完又向前行。莲台是一个长方形木架， 四脚处都安装滚轮， 木架上头是用钢筋、白布做成的一朵如澡盆大的白莲花。木架左右两边各有一人， 一手拿竹竿， 一手扶木架。表演时， 莲台停住不动， 站在莲台左右的人挥动竹竿维持演出秩序， 防止观众拥挤， 表演完毕用于推动木架向前徐行， 接上前面的游舞行列[4].
音乐《抱妆台》原是用笛子和洞箫演奏的一首古曲。据民间传说， 《抱妆台》曲谱来源于上古殷商时代。商纣王轻信妲己谗言， 铸造炮烙， 残害忠良。周武王伐纣灭商， 除暴安良， 黎民百姓演奏《抱妆台》， 揭露商纣暴政， 载歌载舞共庆升平。
据潜山县清朝廪生张伯祥考证， 早在明朝天启年间 （1573-1620） 就有“十二月花神”这舞蹈， 这一说法从旧道具 莲台木架上所刻“天启四年六月置”字样得到了证实。到乾隆年间， “十二月花神”以完美的舞蹈形式在民间广泛流传， 在潜山县黄泥镇一带流传更广。至清咸丰、同治年间， 由于连年兵乱， “十二月花神”几乎失传。1916年农历十月间， 黄泥镇举行每年一次的大王庙会。庙会前夕， 人们从镇上项义源老店后楼上发现了一批陈旧破烂的道具和服装， 其中有彩色衣裙十二套、白色衣裙一套、童子服装两套和莲台木架一座。经两位老秀才郝万馨、熊楚才 （当时郝己八十多岁， 熊已年逾古稀） 的鉴别， 才明白这些东西是表演“十二月花神”的服装和道具。青年们在这年的庙会中穿上这些服装， 由会吹奏《抱妆台》的老艺人程树台 （当时已年过花甲） 指导并亲自吹笛伴奏， 此节目才得以恢复。
随着时代的变迁， 如今的云舞再也不是起初的简单嬉戏、追逐蹦跳， 而是具有鲜明的创作思路。百姓把手持云片祈求雷公赐雨的经道语看成吉祥的预兆、求雨降临的重要法宝。在中国历史上， 百姓以各种方式求天神赐雨的民间活动是较为普遍的， 但用舞蹈的艺术表演却是独一无二的， 所以说它在民间传统艺术活动中更具特殊性， 其丰富的蕴含让人们回味无穷。
云舞这一传统民间艺术奇葩是由南宋时期的舞龙活动而演变而来的， 它形象地体现了人神合一的思想理念， 表达人民群众渴望安居乐业的完美愿望。舞姿唱词中带有浓厚的宗教敬神色彩， 是体现汉民族古代民间信仰的一种代表性仪式。
云舞是安徽地区宝贵的非物质文化遗产。充分保护、传承这一文化遗产， 是弘扬传统文化的重要举措， 是占领社会主义文化阵地， 不断满足人民物质文化生活需要的重要途径。
云舞不仅仅是祈求降雨的仪式， 经过演化还构成了老百姓喜闻乐见的娱乐健身舞蹈。每逢节假日， 乡亲们聚在一齐演跳云舞， 凝心聚力， 共同畅想完美生活， 有利于社会主义和谐社会的建设。
参考文献
舞蹈论文范例篇三
第一段：导语（150字）
形体舞蹈是一门结合了肢体技巧和艺术表现的独特艺术形式。在我接触形体舞蹈的过程中，深深感受到它的魅力和内涵。通过反复练习和表演，我深入了解到了形体舞蹈的精髓所在，并从中获得了许多宝贵的心得体会。
第二段：形体与舞蹈的融合（250字）
形体与舞蹈的结合是形体舞蹈的基石。形体舞蹈通过塑造身体力量和优美线条，表达情感和故事。在形体舞蹈的训练过程中，我学习到了许多基本的肢体动作和姿势。我通过不断地练习，逐渐掌握了一些复杂的技巧和动作，如身体的延展、收缩、扭曲等。同时，我也学习到了如何利用舞蹈动作来传递情感和表达思想。每一次在舞台上的表演都让我感受到了身体和灵魂的完美融合。
第三段：自我认知与自我挑战（300字）
形体舞蹈的训练不仅仅是对技术的追求，更是对自我认知和突破的过程。每一次的训练和表演都给我带来了新的挑战。正是这些挑战，让我不断地发现自己的潜力和可能性。在舞蹈的过程中，我学会了更加专注和耐心，学会了面对困难和挫折时不放弃的精神。通过反复的练习和不断的尝试，我能够超越自己，挑战自己，并且逐渐取得了令人满意的成绩。这种自我认知和自我挑战的精神也渗透到了我的生活和学业中，使我变得更加坚韧和有毅力。
第四段：形体舞蹈的美学价值（300字）
形体舞蹈不仅仅是一种技术的展示，更是一种艺术的表达。通过动作的设计和肢体的表达，形体舞蹈能够引发人们的共鸣和情感上的共鸣。在舞蹈的过程中，我体会到了形体舞蹈的美学价值：优雅、和谐、力量和韵律的结合。每一次的演出都是一次艺术的创建，每一个动作都散发着美的魅力。
第五段：对未来的展望（200字）
形体舞蹈不仅仅是一种爱好，更是一种人生追求。通过形体舞蹈的训练和表演，我不仅获得了技术上的提升，还培养了自信心和团队合作精神。在未来，我希望能够继续在形体舞蹈这个领域发展自己，并且将所学所感传递给更多的人。我希望通过形体舞蹈，表达自己对生活和世界的热爱，用音乐和动作带给人们更多的欢乐和启示。
总结：形体舞蹈是一门结合了肢体技巧和艺术表现的独特艺术形式。通过形体与舞蹈的融合，我们能够塑造身体力量和优美线条，用舞蹈动作来传递情感和表达思想。在形体舞蹈的训练和表演中，我们不仅仅追求技术上的完美，更是通过挑战自己、超越自己的过程来认识自己和提高自己。形体舞蹈也有着美学价值，它能够引发人们的共鸣和情感上的共鸣。通过形体舞蹈的追求和表达，我们能够获得自信和团队合作精神。在未来，我们希望能够将所学所感传递给更多的人，用形体舞蹈来表达对生活和世界的热爱，为人们带来更多的欢乐和启示。
舞蹈论文范例篇四
摘要：民族舞蹈作为一种文化，需要在发展的过程中，不断创新和提高，这就要求我们必须重视民族舞蹈的创作。在进行民族舞蹈创作的过程中，合理运用编舞技法，能够有效提升所创作民族舞蹈的水平。对此，本文对民族舞蹈及其编舞技法进行概述，分析了在进行民族舞蹈创作的过程，编舞技法的运用现状以及在运用时应当注意的要点。
关键词：民族舞蹈创作；编舞技法；民族文化；民族精神；运用要点；
1、绪论
随着我国社会经济的快速发展，人们更加注重经过观看演出，来满足自身的精神需求。民族舞蹈表演是各种文艺演出舞台上经常出现的演出形式，也受到人们的广泛喜爱。为了满足人们不断提升的精神文化需求，民族舞蹈也应当不断创新和发展。在进行民族舞蹈创作时，应当重视编舞技法的运用，以此创作出更加优秀的作品，实现民族舞蹈艺术的发展和提高。
2、民族舞蹈和编舞技法概述
民族舞蹈是中华民族优秀文化的重要组成部分，具有鲜明的民族性和地域性，是在各民族传承和发展的过程中构成的，不仅仅仅具有娱乐的作用，还能够传达情感。编舞技法是指在进行舞蹈创作时所用运用技巧和方法，是舞蹈创作者在长期实践过程中总结出来的，根据舞蹈特质的不一样，能够分为多种，例如，在对舞蹈动作进行创作的过程中，有重组法、重叠法以及拆分法等等。在进行编舞时，能够根据实际情景，综合运用多种编舞技法。
民族舞蹈创作包括选材、处理和编舞三个环节，在进行民族舞蹈创作时，要想创作出优质的作品，不仅仅仅需要创作者具有高超的水平和专业的本事素质，还应当灵活合理的运用编舞技法。
3、民族舞蹈创作中编舞技法的运用现状
3.1民族舞蹈创作缺乏创新性
随着人们生活水平的不断提升，人们更加注重满足自身的精神需求，对于所观看的舞蹈表演的要求也在不断提升。在此种情景，民族舞蹈的创作应当不断创新，但就实际情景来看，很多民族舞蹈表演大都存在千篇一律的现象，缺乏创新性。这与没有深入进行理论研究有很大的关系，民族舞蹈理论是进行民族舞蹈创作的基础，由于缺乏理论指导，对于编舞技法的运用也不够合理，导致民族舞蹈创作效果往往不尽人意。
3.2创作者文化内涵有待丰富
民族舞蹈具有民族性和地域性，其中蕴含着丰富的民族精神，民族舞蹈还能够体现一个民族的风貌以及特色等等。所以，要想创造出高水平高质量民族舞蹈作品，对于创作者的本事素质具有很高的要求。现阶段，虽然一些创作者的本事和素质很高，但由于其文化内涵不够丰富，在进行民族舞蹈创作时，不能够根据民族文化的内涵合理运用编舞技法进行创作，只是单纯的表此刻舞蹈动作上，这很难提升作品的艺术性。
3.3编舞技法的运用较为单一
在进行民族舞蹈创作的过程中，综合运用多种编舞技法，能够实现系统优化，从而到达部分大于整体之和的效果，提升作品的艺术水平。但当前由于创作者存在思维局限，在进行民族舞蹈的创作时，仅仅运用一种编舞技法，这导致所创作出来的作品显得较为单调，达不到良好的演出效果，无法满足人们日益增长的精神文化需求。
4、民族舞蹈创作中编舞技法的运用要点
4.1将民族精神融入创作过程中
民族精神是一个民族在长期历史发展过程中构成的，其中包含着文化、风俗、思想观念等多方面的资料。所以，在进行民族舞蹈创作的过程中，融入民族精神是至关重要的。对此，在进行创作之前，创作者应当对该民族的民族精神进行深入的分析和了解，将其中具有代表性以及鲜明特色的素材，融入到舞蹈创作中，不仅仅仅只体现的表面的动作，更体此刻精神层次，从而创作出具有鲜明的民族特色和丰富的民族情感的舞蹈作品。
4.2丰富创作者的文化内涵
目前，存在多种编舞技法，是否能够将其合理运用于民族舞蹈创作的过程中，与创作者的水平、本事和素质具有很大的关系，异常是创作者的文化内涵对编舞技法的合理运用具有很大影响。在此种情景下，应当不断丰富创作者的文化内涵，仅有如此，创作者才能够在深入分析了解民族文化的基础上，合理运用编舞技法，进行民族舞蹈的创作。
4.3综合运用多样化的编舞技法进行创作
民族舞蹈具有鲜明的民族特色，民族舞蹈的呈现，受到多种因素的影响，不仅仅仅与民族风俗习惯有关，还与必须的自然环境具有密切的联系。所以，在进行民族舞蹈创作时，也需要结合各民族的实际情景，综合运用多种编舞技法，实此刻舞蹈动作以及时光和空间方面的相互协调与配合。例如，对于不一样的动作应当配合相应的表情，以此来表达作品的情感。还例如，在不一样的时光和空间状态下，应当配合相应的舞蹈动作。
5、结语
综上所述，民族舞蹈作为我国优秀的文化，应当在继承的基础上不断发扬和创新，做好民族舞蹈创作。对此，应当合理运用编舞技法，在民族舞蹈创作的过程中，融入民族精神，以此来创作出更加优秀的民族舞蹈作品。
参考文献
[3]高洁。浅谈现代舞编舞技法在民族民间舞当中的运用[j].科教导刊：电子版，2024（30）:183.
[4]孟泽婧。浅议编舞技法在民族民间舞创作中的运用[j].北方音乐，，36（7）:176.
舞蹈论文范例篇五
第一段：引言（150字）
舞蹈论文写作是对舞蹈艺术进行探究和研究的过程，也是学习舞蹈理论和深入理解舞蹈作品的重要途径。经过多次写作的实践，我发现了一些心得体会，其中包括了选题的重要性、文献的搜集方法、论文的结构安排、论文语言的表达以及写作过程中的自我反省。本文将围绕这些方面展开探讨，希望能够对正在进行舞蹈论文写作的同学们提供一些实用的参考和指导。
第二段：选题的重要性（250字）
选题是论文写作的第一步，也是至关重要的一步。选题要与舞蹈相关，具备一定的研究价值和实践意义。在选题时，我总是先关注当前热点话题和自己的兴趣爱好，然后通过查阅大量的文献资料，深入地思考和分析，最终确定一个独具特色的选题。同时，选题还需要具备可行性，包括研究条件和时间等方面的考量。只有选到合适的题目，才能更好地展开后续的论文写作。
第三段：文献的搜集方法（250字）
搜集文献是论文写作中的关键步骤之一。我通常通过图书馆、互联网和专业期刊等多种途径来寻找文献资料。在搜集时，我会根据选题的关键词进行搜索，并将查阅到的文献归纳整理，做好文献综述。此外，还可以通过与导师、同学和专业研究者进行交流，获取更多的参考文献。在搜集文献时，一定要注意筛选资料的可信度和权威性，避免使用过时或者不可靠的文献。
第四段：论文的结构安排（300字）
论文的结构安排是论文写作中的一个重要环节。通常，一篇舞蹈论文应包含摘要、引言、理论基础、研究方法、研究结果与讨论、总结与展望等部分。在写作时，我会将思路和信息进行逻辑性地组织，使得整篇文章的结构清晰且内容连贯。同时，每一部分的字数分配也需要合理，避免有些部分太过详细而有些部分又缺乏详细阐述。在安排论文结构时，还需要记住论文的目的和主题，确保每一部分都与主题紧密相关。
第五段：论文语言的表达与自我反省（250字）
论文语言的表达是论文的重要组成部分，它直接关系到论文的可读性和学术性。在写作时，我尽量追求准确、简明的表达方式，避免出现冗长或含混不清的语句。同时，选择适当的学术术语和专业词汇也是很关键的。此外，我在写作过程中始终保持严谨的态度，不断反思和修改自己的论文，力求提高论文的质量和深度。通过不断地自我反省，我深刻认识到写作是一个发展的过程，只有不断地改进和学习，才能写出更加优秀的舞蹈论文。
结尾（200字）
舞蹈论文的写作是一个相对独特的过程，需要我们综合使用各种方法和技巧，完善自己的写作能力。在这些心得体会中，选题的重要性、文献的搜集方法、论文的结构安排、论文语言的表达以及写作过程中的自我反省都是至关重要的。通过不断地实践和积累，我们可以不断提高自己的写作能力，提升舞蹈论文的质量，为舞蹈艺术的发展和研究做出贡献。希望我的心得体会能够对正在进行舞蹈论文写作的同学们有所启发和帮助。
舞蹈论文范例篇六
摘要：本文经过对高师舞蹈学专业毕业论文改革的探索及研究，找出了集创新型、应用型为一体的改革方案，结合舞蹈学学科特色、专业发展建设，真正体现了学以致用、科学合理的应用型人才培养目标，为高等教育的舞蹈学专业发展找到切实可行的有效途径。
关键词：舞蹈学；毕业设计；论文改革；学科特色；专业建设
在大多数高等教育的舞蹈学专业人才培养计划中，毕业论文是以论文形式出现，要求学生从理论上阐述学术观点及想法。由于大多数舞蹈学专业学生自幼学习舞蹈，有的甚是科班对文化知识的全方位掌握有必须欠缺，在论文撰写上常常感到力不从心，但在专业领域中，学生能够较全面的发挥优势及特长，仅有深入探索和研究适合本专业学科特色发展创新的毕业设计改革方案，找到正确的方针路线，才能真正的体现学以致用、科学合理、贴合学科特点的应用型人才培养目标。
一、研究资料
第一，对艺术专业领域的毕业论文改革与创新性研究。在四年制本科教学计划中，毕业论文的完成时光一般规定为8周，通常以论文形式为主。但有部分高校已将艺术类毕业论文改为从“单一学术性论文”到“多样化毕业设计”，高校艺术类专业的毕业论文环节将面临着改革和创新，也将突破传统模式进行新一轮的有效性研究。
第二，结合舞蹈学学科特色探索合理科学的毕业设计改革方案。在培养舞蹈人才过程中，不能够片面、单一，更不应急于求成。所制定的毕业设计要求既能够反映学生的综合素质本事，又能对适应步入社会的第一阶段做好充分的心理准备和实战经验。
第三，制定体现应用型人才培养计划的舞蹈学毕业设计方案。基于毕业设计质量是衡量高校教学水平的重要标志，是培养大学生的创新本事、实践本事和初步科研本事的重要实践环节，结合舞蹈学专业的特殊性、科学性和合理性，可将毕业设计分为编创作品、汇报演出两种方式。编创作品即创作舞蹈作品，汇报演出即汇报表演舞蹈，均属于实践性质。两者目的都是使学生进一步巩固加深对所学的基础理论、基本技能和专业知识的掌握，使之系统化、综合化。使学生获得从事工作的初步训练，培养学生的独立思考和综合运用已学知识解决实际问题的本事，尤其注重培养学生独立获取新知识的本事。
二、研究目标及特色
舞蹈是一门实践性较强的专业，是具体的手把手的教与学，是真正意义上的“言传身教”，必须经过科学、系统、严格的训练，将理论与实践并重，才能成为一名“文武双全”、名符其实的舞蹈教育人。所以在毕业设计中的教师指导环节，要注重实践性和创新性，鼓励学生的想法，用正确的观点来引导他们。只授予学生高超的技艺，不重视提高学生的综合素质与理论知识的培养，就不可能造就出优秀的舞蹈教育人才。此项研究贴合舞蹈学专业学科发展建设的特殊性、科学性和合理性，真正将应用型人才培养计划与人才知识结构需求、高等教育目标、学生综合素质相结合，使学科建设得到有效的实行、发展和提高。
三、舞蹈学毕业设计改革研究与项目制定
应予以充分的注意。
舞蹈学是舞蹈艺术门类中的一个重要学科，是用人体动作来表达思想感情和真善美的一种艺术形式。所以，舞蹈学所涉及的研究面是很宽的。在此，笔者对舞蹈学专业毕业论文(设计)改革探索及研究还不够深远，所做出的改革方案还微不足道，期望借此引发更多同仁的支持和研讨，让今后高校舞蹈学科的发展和建设之路越走越远。
参考文献：
[1]游洁.解读舞蹈艺术的文化性[j].广西梧州师范高等专科学校学报.(03).
[2]张莉，李晓红.高校舞蹈教育中存在的问题及对策[j].平原大学学报.2024(05).
舞蹈论文范例篇七
摘要：本文以高等师范类院校舞蹈专业课程的设置研究为切入点，以重庆市师范大学音乐学院舞蹈系为研究对象，综合运用教育学、社会学、文献学与田野调查相结合的方法。经过对各类具有典范意义的师范类院校实践考察与调查问卷的形式，深层次的剖析师范类舞蹈专业的课程设置与培养模式，旨在从教学理念、培养方式、教学模式的方向梳理师范类舞蹈专业学生究竟该如何培养，挖掘其深层的意义，以前人的理论研究结合本人的实践经验，探研出一套适用于具有师范类舞蹈专业学生特点的课程设置，并揭示出师范类院校舞蹈专业的教学内涵，倡导更多的教育家与理论家能够关注并重新审视师范类舞蹈专业的未来发展，以期到达在各地方上设置舞蹈专业的师范类院校能够根据自身特色更好更快发展的目的。
关键词：舞蹈论文
二十世纪50年代之后，我国艺术教育受到前苏联教育体系的启蒙渐渐在文化领域中开始萌芽，它的主要任务是培育以舞蹈表演为职业的人才。以往的学校基础教育中的舞蹈教育一向是依附在别的教育中，开始是结合体育进行教学，之后又融入到音乐的教育中。在制定课程时没有特地的给高等师范院校舞蹈专业撰写编排大纲和相贴合的教学目标和方法，而是照本宣科专业院校或者是以前音乐系的教材和课程安排，导致学生在舞蹈理论方面的学习量明显不够，而偏重于技能技巧方面的训练，所以对高等师范院校舞蹈课程的整改和发展已经是迫不及待的事情。在欣赏舞蹈时不但能够让大学生获得感觉器官上的知足，还能引发自身情感和舞蹈情感之间的共鸣，到达陶冶情操的目的，全方面提高自身素质。依据学生欣赏水平的高低来选择教材进行教学，这才是高等师范院校舞蹈教学的原则。
当前我国高等师范院校舞蹈教育专业的课程是由音乐基础课、教育类课程还有相关舞蹈课程组成，其中音乐基础课程所占课时最多，这就显得促进学生“专业”知识提高的相关舞蹈课程相对减少。这种不平衡的教学导致了毕业生在各方面都略有精通可是所学专业不够扎实的结果。
我国高等师范院校舞蹈技巧技能课程课时大于理论课程课时导致学生在舞蹈理论基础的学习上不够多，这归结于我国舞蹈理论课程发展较缓慢，也揭示了我国高等师范院校舞蹈教育注重技巧教学忽略理论教学的基本现状。加强舞蹈理论基础的学习才能提升对舞蹈技巧技能的把握。构建完整的知识结构才能促进舞蹈理论课程的发展。比如经过增设对《舞蹈编导常识》、《中国舞蹈发展史》、《舞蹈基础理论》这类课程的教学来灌输舞蹈定义、题材、分类、美学特征、艺术概念等涉及舞蹈艺术认识方面的知识，分析舞蹈作品在音乐的引导下的创立构造过程，一个舞蹈动作是如何萌芽、发展以及转变过来的都是需要对学生进行讲解的；还有完整舞段和舞剧的出现。
实践课程对学生完善自身知识的结构、本事的培养和技能的增强、早日投入教学与研究中以及适应瞬息万变的社会都发挥着有重要作用。这门课程在培养本事结构、全方面的知识、极具创新力和实践力的人才上起着关键性的作用。学生走出学校这个环境以后需要有普及舞蹈教育和了解基层文化这两方面的编导本事才能立足社会，而舞蹈编导课程恰恰在塑造艺术人格、构建知识框架、激发创造性思维、全面提高个人素质上起着关键作用，它弥补了单一专业课程的不足，两者互相结合，相辅相成。
日益增长的社会需求促使高师舞蹈专业加大了培养满足多方面需求的舞蹈专业人才的力度，师范院校本身拥有的多元化发展的环境，让学生能够在此徜徉在知识的海洋里，不断学习相关专业的知识资料。充分发挥这种良好气氛和环境是进行高等师范院校舞蹈教学的前提。学舞蹈的学生也不是单一的喜欢舞蹈，他们在唱歌、演讲、书法绘画、表演方面都表现出了很大的潜质。他们不仅仅仅是一科精通，还有很大的活力去发挥他们其他方面的特长。学生勤奋好学、兴趣广泛都是好的兆头。为了把学生这种进取学习性坚持下去，我们除了抓专业课之外，还能够增设哲学、文学、表演、美学方面的课程，并把这些课程也纳入平时成绩中，给学生更大的选择范围，不断提高学生的艺术修养。
把专业知识的范围从单一的舞蹈领域扩展到别的艺术领域所带来的有利帮忙是有目共睹的。第一，学识和修养的提高能够增加自身的理解、感染力，对学习舞蹈专业有正面促进作用；第二，把学生创造的活力带动起来，让学生逐渐开阔视野，获取丰富的知识，引发无限联想和塑造艰苦钻研的精神，带动学生富有创新的思维去实践中扩散出去。大学生面临越来越大的就业压力，多一门技能就能增加自身在社会上的竞争力，为工作创造更多的机会。所以我们要在以开发学生天赋和潜质为目的的前提下安排课程，全面提高学生素质，培养全才，从长远角度来培养学生各方面的本事。
舞蹈美育只是整个美育工程中的一个分支，经过艺术教育这个关键部分的教学来实施美育是新的世纪培养高素质、高水准创新人才的重要举措，舞蹈教育不但能够锻炼学生体质、激发学生创造性思维，还能提升学生对美的鉴赏本事，对塑造完美的人格起着关键性作用。
舞蹈论文范例篇八
舞蹈是一门具有独特魅力的艺术形式，舞者在表演时展现出优美的身体线条和灵动的动作。然而，要想在舞台上达到出色的表演效果，舞者除了需要具备扎实的舞蹈技巧外，还需要对自己的身体有深入的了解。因此，学习舞蹈解剖学是成为一名优秀舞者不可或缺的一部分。通过学习舞蹈解剖学论文，我深刻认识到了舞蹈解剖学在舞蹈技巧和身体保护中的重要性，同时也感受到了它为舞者提供的更加科学和健康的舞蹈训练方法。
首先，舞蹈解剖学论文让我认识到舞者对身体的了解至关重要。在舞台上，舞者的身体是一种特殊的表达工具，姿势和动作的完成都依赖于各个肌肉和关节的配合。通过学习解剖学，舞者可以更清晰地理解自己的身体结构，了解骨骼、肌肉和神经系统的功能和协调方式。这种深入的了解可以使舞者在舞台上更准确地掌控自己的身体，做到力量的集中和动作的流畅。在我个人的训练经历中，通过学习解剖学，我更加明确地感受到了身体各部位的运动路径和力量传递的方向，进而使我的舞蹈技巧得到了明显的提升。
其次，舞蹈解剖学论文让我认识到舞者的身体保护至关重要。舞蹈是一项高强度的体育活动，长期的训练和舞台表演对舞者的身体会造成一定的负担。通过学习解剖学，舞者可以了解自己身体的脆弱部位和易受伤的关节，采取相应的保护措施。此外，舞蹈解剖学的学习还可以帮助舞者纠正不正确的舞姿和动作，避免错误训练对身体造成的潜在伤害。对于我个人而言，通过学习解剖学，我更加重视身体的热身和拉伸，合理安排训练与休息，以及选择适合自己身体状况的舞蹈动作。这一系列的身体保护措施让我在舞蹈训练中保持了良好的身体状态。
再次，舞蹈解剖学论文为我揭示了舞蹈的美学内涵。舞蹈解剖学不仅仅是对身体的了解和保护，更是关于舞蹈艺术的认知与感知。通过学习解剖学，我深入了解了身体各部位的解剖结构与运动特点，进而可以通过这些特点去感悟舞蹈的美。身体的柔软与力量的结合、肢体的延伸与收缩、骨骼的纵向拉伸与横向旋转……所有这些解剖学知识都为我提供了更深入的舞蹈理解和更广阔的艺术想象空间。在我个人的表演实践中，我更加注重舞蹈动作的韵律感和流畅性，通过解剖学的知识洞察和感知身体的美学价值。
最后，舞蹈解剖学论文让我认识到了舞蹈训练方法的科学化和健康化。现代舞蹈训练已不再以过分苛刻的体能训练为主，而是将解剖学的知识与运动科学相结合，探索更加科学和有效的训练方法。舞蹈训练不仅要注重技术的精湛，更要关注舞者的身体素质与健康状况。通过学习解剖学，我深刻理解到舞蹈技巧的培养需要长期的坚持和耐心的积累，不能追求瞬间的效果而忽略了身体的健康。在我的训练中，我更加注重养成健康的生活习惯和合理的训练计划，以保持身心的健康。
综上所述，舞蹈解剖学论文给我留下了深刻的印象和体会。通过学习解剖学，我认识到了舞蹈解剖学在舞蹈技巧和身体保护中的重要性，感受到了它为舞者提供的更加科学和健康的舞蹈训练方法。作为一名舞者，通过学习舞蹈解剖学，我更加明确了自己的舞蹈目标和追求，拥有了更为深厚的舞蹈基础。我相信，在未来的舞蹈道路上，舞蹈解剖学的学习将成为我不断前进的动力和支持。
舞蹈论文范例篇九
摘要：现代舞剧作品《妮娜物语》是日本舞蹈界近年来的优秀作品， 舞团探寻了舞者的肢体应当是什么样貌的， 他们的肢体能够强大到什么程度， 并创造出了一个充满了紧张与美感的舞台。本文经过对作品《妮娜物语》的艺术特征和创作的现状进行分析探讨， 最终期望把创作及探寻的方向回归舞蹈的本源， 即身体， 艺术的价值， 即个性。
关键词：舞蹈本源； 肢体； 舞台美术； 编舞手法；
《妮娜物语》是日本无设限舞团创作的现代舞作品， 由金森穣导演编舞， 它由独舞《天鹅的梦》 （15分钟） 及现代芭蕾《妮娜物语》 （60分钟） 两部作品构成， 是一部集强大肢体、精妙音乐和炫酷视觉于一体的震撼之作。作品展现出艺术家超越国界的世界性格局与视野， 带领我们感受到艺术的一种新境界， 生命就是不断的探索， 并从中激发出一种能量， 使身体产生一种力量与美的感觉。此外， 它将人的肢体语言传导出来， 对人性进行拷问， 将人类精神中的黑暗面进行外化， 人物会变成物体， 以此来拷问人性。当这些舞者们理解自我的物化之后， 他们就会变成骄傲的祭品。本文以编舞家角度为切入点， 围绕舞者肢体背后、舞台场景呈现以及编舞手法几个方面进行分析与探讨， 侧重探索编舞家在人的肢体语言的设定， 打破传统舞台美术设计以及舞蹈动作设计， 探讨舞者身体的各种可能性。
舞蹈以人体为媒质， 是身体语言的表述和表达；“动”乃舞蹈之核心元素和重要特征， 用舞动的人体去言说， 是舞蹈表现的最主要手段。看了《妮娜物语》首先能感到肢体表现带给人的震撼， 舞蹈语汇十分丰富， 编舞的手法个性新颖， 舞者们的默契和现场舞动呈现出的剧场张力十分强大， 对肢体的控制本事令人震惊。因受到传统的影响， 日本舞台表演艺术家对“身体”有执着的关注， 第一次看的时候， 你或许会感觉像是机器人在跳舞。编导在舞蹈肢体的开发上， 探究舞者在空间中舞动前如何能强而有力地散发肢体的美及力量， 身体又如何接地气以至被推而不倒。当然， 在舞蹈技巧上， 金森穣作为编舞， 他认为， 身体是完美无缺的， 坚定不移的。它是绝对“零”的体现， 不多不少。肢体的背后可能有任何意义或者没有任何意义， 皆取决于观众的思考角度。同时他也试图透过身体， 探讨东方舞者在舞蹈技巧上的控制本事。而这种给予身体的“探讨”， 作为留学欧洲十多年的金森穣， 长期受到西方当代舞训练体系的影响， 在重返日本舞台时， 用东方演员的身体， 加上自我西方现代舞的技法， 东西碰撞之间， 是很有实验性的。在中国的“陶身体舞蹈剧场”， 就是十分注重动作开发与东方文化相结合的舞团， 编舞家及创团人陶冶就是致力探索一种颠覆性的身体运动技术并在国际舞蹈界享有盛誉。舞者在训练中不断开发与挑战肢体的潜能与极限， 突破身体局限与思维的预期。着重对舞蹈本体的研究， 是对身体运动的再造， 专注身体形式的探索和挖掘。所以仅有创造出独具特征的舞蹈运动语汇， 才能成为独具一格、自成一家的身体舞团。这也应当是舞蹈创作者最迫切的自觉行动。
《妮娜物语》这是一部寻求身体“普遍力量”的作品， 没有华丽的舞台包装， 没有喧宾夺主的干扰， 观赏中从一开始到结束， 视线都没有离开舞者身体以外， 所有的表现一切用舞蹈最本体的肢体给人以震撼。除了身体， 这个作品更加重要的是内在的思想性， 和编舞本人对当代人所共同身处的世界的认识， 以及对人性的探讨。作品一开场， 会先上来五个女舞者穿着特制的服装， 他们把自我的身体固定好之后， 如同没有自我意识的提线人偶， 随后突然出现身着黑色服装的舞者试图操控人偶的肢体， 双方博弈的故事就此展开， 开始人偶的一举一动都被穿着西装的另一群舞者操控， 看到了一种现实人群中的无奈。直到最终一幕反转， 当人偶们逆袭穿上西装， 操控了控制者， 这是不是有种被压抑后的畅快， 在这你总能找到一些瞬间和这个故事对号入座， 或许是越来越逼真的机器人， 或许是你自我的经历， 或者是什么历史课本里的某次起义， 也或许是走过不细心踩死的一只蚂蚁。虽然12个人一台戏， 没有舞美的包装， 简约的灯光， 但让观者理解的信息量是巨大的， 带给大家欣赏优质舞蹈作品时那种心灵层面上的领悟， 以及欣赏完之后所将展开的更深刻的内心思考， 这就足矣了。反观我们的作品有时则过分依靠其他形式的包装， 善于造势与滥用包装， 造成“舞不够， 景来凑”， 且舞台美术的设计都趋向于大制作、超豪华， 有时舞美的制作预算占了一大半总费用， 也造成剧目无法演出， 因为成本太高。也所以显得作品资料苍白， 主体创作贫乏， 舞台美术则奢华。有些舞美制作确有独立的观赏价值， 可是由于作品的平淡无味， 不但未能起到提高艺术质量的进取作用， 反而更凸显滥用包装的负面效应。
说到日本人， 大抵对之有过一些了解和接触的话， 都会产生那么一点他们挺“严谨”的印象。这种感觉的由来多是因为我们亲身感受到了日本人在日常中表现出来对于细节的执着， 以及体验到了这个国家规则秩序至上的社会大环境。认真的人喜欢将事情做到极致。例如近些年来反复被国内媒体报道和强调的“日本职人”就是很明显的特征。职人精神是日本社会走向繁荣的重要支撑。“职人气质”是指追求自我手艺的不断提高， 并对此持有完全自信， 不会因为金钱和时光的制约而去扭曲自我的意志或做出妥协让步， 只专做自我能够认可的工作， 就算是完全放下利益于不顾， 也要使出浑身解数去完成工作。当他们对工作的严谨放在创作里， 能感受到舞者的每个编排， 每个细节， 是经过多少次再创作和磨合到达的效果。《妮娜物语》主要完成就是五组双人舞的表演， 在双人舞的编排上力量与肢体相互的设计十分独特， 空间处理人与人的接触如行云流水， 双人舞的舞动随心所欲， 让人叹为观止， 相互间配合如电脑编程， 每个衔接都是严丝合缝。我想这也跟他们骨子里的敬业和创新精神有关， 只要是我们能看到的日本团体演出， 质量往往不会差， 不论从观念到舞台呈现， 从导演编排到演员表达， 都有可圈可点之处， 耳目一新；也就是， 资深剧场观众的话来说， 我们通常不会“踩雷”.然而， 正是这种精神， 成就了日本科技、文化的发达， 毕竟严谨和创造力才是活力和提高之源。
我们此刻所处在一个十分发达的信息时代， 资源信息随时能够获取， 这时有助于艺术创作者能够更快捷、便利地借鉴到他人的创作经验。可是艺术创作的借鉴有如人体营养的获取， 是需要经过牙齿的咀嚼， 胃肠的消化， 而不是生吞活剥。有时看见国内某些大导演也在照搬他人， 已无所顾忌。但长此以往， 这些快捷的创作不经过创作者独立思考的行为， 慢慢的会割掉艺术家创作才华， 并且也随时涉及到知识产权问题， 长期以往对艺术繁荣创作十分不利。此类问题虽然对于大多数编导来说， 主观上也许并非出于“抄袭”的动机， 而是认识---观念上的模糊和创作上的惰性导致求异思维的萎缩。有些手法的雷同化， 也存在“不约而同”的偶然性。但有时， 如果我们换一种思维方式， 当我们借助多媒体时代的便利开阔眼界， 获取很多信息， 看到一些令人拍案叫绝的手法时， 倘若我们去认真探索其创作思维轨迹， 去使自我获得触类旁通的启迪， 而不是照猫画虎地翻版， 是否会获得更深刻的认知， 当自我苦心孤诣想出的“点子”在他人率先推出的作品中“英雄所有相同”时， 有宁肯割舍也不重复的气派另辟蹊径， 或许会逼迫自我更上一层楼。这样的要求或许比较苛刻， 这样的创作实践必然很艰苦， 可是艺术的至高境界就是独一无二， 有出息的艺术家就应当这样“挤兑”自我。
《妮娜物语》这部剧， 虽然是十几年前的作品， 但在今日来看依然具有很强的观赏性、艺术性和思想性。同时也透过这部剧反观我们的创作态度和理念。如果作为一名创作者没有独具思想深度的创作理念， 肯定不能产生特立独行的作品和精巧的设计；如果一名舞者没有对高水准的舞蹈素质和精神诉求， 也就不可能构成艺术震撼人心的效应；如果一个团队不具备形而上的追求和引领， 那么艺术灵魂就不会那么庄严肃穆、洁净无暇。所以要记住在创作上核心价值不是在舞蹈的风格上， 也不在舞蹈动作体系上， 而是在对艺术的追求和态度上。才华和灵气是信念造就的， 心灵与精神的升华才能酿出纯真的艺术， 我想作为一名真正的艺术家需要的可能是更高精神层面的建设。
参考文献
[1] 资华筠.资华筠论文集《探索规律·追求独创》[m].文化艺术出版社, 2024.
[2]杨美琦.第三代现代舞艺术节的崛起[j].舞蹈杂志, 2024, 440 (7) .
舞蹈论文范例篇十
舞蹈解剖学，作为一门关于舞蹈运动过程中身体结构与机能特点的研究学科，为舞蹈者提供了科学的解析与认知舞蹈的方式。近期，我阅读了一篇关于舞蹈解剖学的研究论文，从中对舞蹈解剖学产生了深入的思考与体会。通过论文的阅读，我明白了舞蹈解剖学的重要性以及其与舞蹈实践的相互关系，并对自己的舞蹈技巧和表演水平有了更清晰的认识。本文将以五段式的形式，对这篇论文的内容与我的个人体会进行总结和分析。
首先，对于舞蹈解剖学的重要性，论文中提到了许多观点。我们都了解到，舞蹈是一门需要高度技巧和灵活性的艺术表演形式。而这种技巧和灵活性，则需要以极高的身体功底为基础。舞蹈解剖学通过深入研究人体结构和运动机能，帮助舞者更好地理解舞蹈的内涵和表达，提供了科学解析舞蹈的方式。例如，通过研究人体骨骼、肌肉和关节等结构，我们可以了解不同舞蹈动作的实现原理，从而更好地掌握技巧和优化舞蹈表演。
其次，论文还提到了舞蹈解剖学与舞蹈实践的相互关系。舞蹈解剖学不仅仅是一门学科，更是舞者提升自身技巧和表演水平的重要工具。通过研究和理解自己身体的结构特点，舞者可以更准确地感受和掌握动作的要领，以及更有效地强化身体的柔韧性和力量。同时，舞蹈解剖学还可以帮助舞者预防和避免因错误的动作造成的伤害，提高身体的可持续性。
进一步深入研究舞蹈解剖学让我对自己的舞蹈技巧有了更清晰的认识。借助论文中丰富的图表和解剖图，我更好地理解了各个身体部位的构造以及它们在舞蹈表演中的作用。深入研究肌肉、骨骼和关节的运动机制，让我更深地认识到舞蹈动作所涉及的细微之处。通过对腿部、骨盆、脊柱等关键部位的解剖学研究，我发现了一些以往不太注意的重要细节，并且在舞蹈实践中进行了不断的改进和完善。这种深入的研究与实践的结合，使我在舞台上的表演更加出色和精彩。
并且，在阅读这篇论文过程中，我也对舞蹈解剖学的研究方法有了初步了解。论文中通过使用解剖学的知识，结合运动学和生物力学等其他相关学科的研究方法，全面考察了舞蹈运动中各个关键部位的结构和功能。通过对现有研究成果的整理和分析，论文对于舞蹈解剖学的研究提供了新的思路和方向。在这个过程中，我意识到舞蹈解剖学的研究还有大量的发展空间和价值，对于舞者和训练者来说，是一个不可忽视的学科领域。
最后，通过阅读舞蹈解剖学的论文，我深刻体会到这门学科对于舞者和舞蹈实践的重要性。舞蹈解剖学不仅在理论层面提供了丰富的知识和资料，更为舞者提供了一种科学化的舞蹈理解和认知方式。通过研究和应用舞蹈解剖学的知识，我们可以更好地掌握技巧、提高舞蹈水平，并且减少运动损伤的风险。因此，舞蹈解剖学的学习和研究是每一位舞者和舞蹈爱好者都值得深入探索和应用的。
总之，通过阅读和思考这篇舞蹈解剖学的论文，我深入认识到了舞蹈解剖学的重要性和与舞蹈实践的相互关系。这篇论文让我对自己的舞蹈技巧和表演水平有了更清晰的认识，并且对舞蹈解剖学的研究方法有了初步了解。舞蹈解剖学不仅是一门学科，更是舞蹈者提升自己技艺和表演水平的工具和途径。通过深入研究舞蹈解剖学，我们可以更好地掌握舞蹈的内涵与表达，并且在舞台上展现出更加出色和精彩的舞蹈。
舞蹈论文范例篇十一
[摘要]本文从舞蹈情感体验的含义出发，从舞蹈这种特殊的艺术表演方式和准确深入体验主角情感是舞蹈表演成功的关键两方面探讨舞蹈表演中主角情感体验的重要性，就如何准确深刻把握表演中主角情感体验提出自我的见解。
[关键词]舞蹈表演情感体验主角
一、舞蹈情感体验的含义
“情感”在《心理学大词典》中解释是，感情一词被界定为“情绪和情感的总称”，它包含了两个方面：一方面受到外界事物的刺激引起的心理反应，与环境和感性有关；另一方面是人自身对事物的喜爱和关切之情[1]。
体验是个体身临其境或亲自实践，感受事物、环境的丰富和微妙，并产生独特的情绪和认识。它是一种活动，也是活动的结果，作为活动，即主体亲历某事并获得相应的认识和情感；作为活动的结果，即主体从亲历中获得认知和情感[2]。
在舞蹈表演过程中，舞蹈者融入主角的情感世界，感受主角在既定环境下的喜怒哀乐，对舞蹈艺术表现力有很大的帮忙，对艺术表演中主角的的塑造也有很大的帮忙作用。
二、舞蹈表演中主角情感体验的重要性
(1)舞蹈这种特殊的艺术表演方式，要求表演者更深入体会主角情感
些动作即使有生动的节奏，也还是没有生命力。
舞蹈除了以动作为表现手段之外，也取决于舞蹈的造型。舞蹈造型是一种人的形体动作，它是以人体的四肢和身段以及表情姿态构成某种相对静止的形态。这种“形”与“神”结合产生的富于雕塑感、美感的形象动作，是对刹那间的生活片段的凝固，一种静态的艺术形象，具有巨大的表现力。许多舞蹈在开场和结尾时，为了渲染场景和人物的诗意美，常把流动的舞姿化为静态的造型，场中出一个特殊的艺术空间，给观众一种新奇的美的享受。
表情是舞蹈艺术的灵魂，没有表情的融合，有些动作即使有生动的节奏，也还是没有生命力。所以说舞蹈的“律动性”是内在的情感和外部动作相统一的节奏的直接反映和集中体现。舞蹈的动作性还决定了舞蹈创作在题材的选择、情节的安排、人物性格刻画等方面都要体现可舞性的原则。
无论动作，造型，还是表情，最终都是围绕着表达情感，舞蹈只能依靠人体和动作来表达情感，它不想说话一样那么容易表达，所以更加需要表演者深入体会主角的情感世界，这样才能从日常生活动作中选择、提炼、加工、改造、演化而成的一种具有程式化、形象化的舞蹈语言舞蹈以人体流动美的动态为语言来塑造舞蹈形象，所以说主角情感的体验是舞蹈表演这种特殊的表达艺术方式所决定和每个表演者必须具备的本事。
(2)准确深入体验主角情感是舞蹈表演成功的关键
舞蹈表演是否成功，舞蹈中人物情感是否能感染打动观众，完全依靠舞蹈演员表演这一最重要和最关键一个环节。
虽然主角的性格特性已经在舞蹈编导那构思和编排好，但仍依靠于舞蹈演员在编排好的固定模式下有自我体验自我感动的二度创作，舞蹈演员是否对作品的深度理解，是否能融入自我的情感到作品中去，是否能很好的完成作品，都直接影响整个表演最终的效果。而演员对主角的把握，取决于演员自身的生活经历，气质，性格，和对作品不一样的理解，所以不一样的演员表演同一个主角，甚至是同一个演员在不一样时光或不一样情绪下表演同一作品，都会产生不一样的效果，这就是为什么经常说艺术常演常新。所以在表演者舞蹈本事水平相当的情景下，谁的生活轨迹更接近这个主角，谁能更深入的把握主角的内心世界，谁的演出就更成功。
三、舞蹈抒发情感的方式
(1)直接抒发。在舞蹈表演中为塑造人物形象，直接地抒发要表达的某种内心感情，去强烈地感染观众，抓住人物最动情的时刻，以情动舞，把无形的情化为可见的形象。
(2)间接抒发。在舞蹈作品中借助于动物的特征、自然界景物中的形态等，以借物比喻手法，赋予作品以浓郁感情色彩，把生活中感受到的主观感情、真情、活力与客观外界的景物达成有机的统一，寓情于景，情景交融地反映了我们生活的诗情画意。
(3)在叙事与抒情相结合中突出抒情。在情节舞蹈和舞剧中运用“在叙事与抒情相结合中突出抒情性”的表达方式，把内心境感从场面和情节中自然地透露出来。抒情并不排斥叙事，它们往往互相渗透，糅合在一齐，一方面以精致的情节发展，一方面着意刻画表现人物心理的复杂多样的感情，在情感抒发方面大做文章，将主人翁的思想感情表现得淋漓尽致。正是这种强烈的抒情性才使得观众为舞蹈所牵动，受到深深的感染。
四、如何准确深刻体现表演中主角情感体验
舞蹈演员怎样样将主角情感转换为自我的情感，如何才能更好的表现主角情感呢？
(1)掌握舞蹈技巧是情感表达的基础
另外舞蹈动作技巧不断推陈出新，不断的学习新的舞蹈动作语言，才能运用于更多可表达的情感。
(2)加强呼吸，眼神，面部表情的训练增加感染力
舞蹈是无需说话的，一切都靠舞蹈演员的表情和舞蹈动作来表达情感。要想控制好主角中的情感，首先得控制好自我的呼吸，舞蹈是在一系列高强度运动中的表演，仅有控制好自我的呼吸，才能让自我的眼神，面部表情和动作不变形。这样舞蹈演员才能随着音乐和情节的发展需要展现出相应的喜怒哀乐。有些情感是需要呼吸，眼神，和表情配合来表达的，比如紧张，兴奋，生气，或屏住呼吸，或呼吸沉重，眼神和表情或眯着，或专注，或瞳孔放大，肌肉扭曲。这些都靠平时训练积累才能在表演中更好的表现主角情感。
(3)运用想象升华情感
舞蹈的想象有三种，氛围想象，心态想象，形象想象。氛围想象是对主角的环境身世经历犹如身临其境的幻想感受。心态想象就是透彻的把握主角的心理状态和构成，了解主角在情节中的所思所想，努力做到如问其声如见其人的境界。形象想象就是对主角整个人的言谈举止，一举一动的想象，幻想不至于表面，甚至是其内在的人物性格，品质都淋漓尽致的体现出来。
如果能够在表演前了解剧本的时代背景及主角的背景故事，查阅与时代背景，主角背景同类型的相关资料，经过分析主角的性格特征，分析与自我相同的地方与不一样的地方，在内心与主角内心进行沟通，对主角人物内心世界整体的构思，例如说遇到什么事情的时候主角会怎样样处理，不只在表演中，甚至在生活中以主角自居，全心的投入，逐渐的爱上主角，以主角自居。舞蹈演员能做到这样去把握主角情感世界，舞蹈演出必须会成功的。
参考文献：
[1]平心.舞蹈心理学.高等教育出版社，2024；
[2]姜肖.情感体验基础上中职音乐.舞蹈专业教学课题研究，2024；
[3]金秋.中国传统文化与舞蹈.中国社会科学出版社，2024。
舞蹈论文范例篇十二
芭蕾是法文ballet的音译，起源于意大利，形成于法国。古典芭蕾舞有一整套严格的程式和规范，尤其是脚尖鞋的运用和脚尖舞的技巧，更是将芭蕾舞与其他舞蹈品种明显地区分开来。
芭蕾舞在西方被称为舞蹈艺术皇冠上的明珠。它有着复杂的结构形式和特定的技巧要求，一部芭蕾舞的双人舞、独舞、群舞都有固定的形式结构。双人舞是古典芭蕾的核心舞，大都用以表现男女主角恋情或正反两方对抗，姿态优美、感情内在是其特点。一般分为“出场”和“慢板”，即由男女演员运用扶持和托举代表着表演的抒情性舞蹈，之后是“变奏”，即男女演员的独舞，展示人物的性格和内心，然后是男女演员穿插表演的“结尾”，最后以合舞结束。女子脚尖舞是芭蕾舞的灵魂，其独舞要求技巧娴熟，有轻盈如飞的跳跃和令人目眩的旋转，还有快感十足装饰性极强的双脚打击，以烘托主要人物，渲染环境气氛等。
传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置，三种基本舞姿，腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作，还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身，各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合，就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。
《天鹅湖》第二幕：慢板双人舞细腻地表达了白天鹅奥杰塔从恐惧、提防逐渐到对王子的放心和信任，进而迸发爱情，以至热恋的过程，奥杰塔的独舞突出了她的悲剧色彩，她的舞姿越是优美柔弱，就越是凸现出她的孤独和动人。（还可以结合教材152页《天鹅之死》来进一步认识芭蕾舞）是法文ballet的音译，起源于意大利，形成于法国。古典芭蕾舞有一整套严格的程式和规范，尤其是脚尖鞋的运用和脚尖舞的技巧，更是将芭蕾舞与其他舞蹈品种明显地区分开来。
芭蕾舞在西方被称为舞蹈艺术皇冠上的明珠。它有着复杂的结构形式和特定的技巧要求，一部芭蕾舞的双人舞、独舞、群舞都有固定的形式结构。双人舞是古典芭蕾的核心舞，大都用以表现男女主角恋情或正反两方对抗，姿态优美、感情内在是其特点。一般分为“出场”和“慢板”，即由男女演员运用扶持和托举代表着表演的抒情性舞蹈，之后是“变奏”，即男女演员的独舞，展示人物的性格和内心，然后是男女演员穿插表演的“结尾”，最后以合舞结束。女子脚尖舞是芭蕾舞的灵魂，其独舞要求技巧娴熟，有轻盈如飞的跳跃和令人目眩的旋转，还有快感十足装饰性极强的双脚打击，以烘托主要人物，渲染环境气氛等。
传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置，三种基本舞姿，腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作，还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身，各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合，就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。
《天鹅湖》第二幕：慢板双人舞细腻地表达了白天鹅奥杰塔从恐惧、提防逐渐到对王子的放心和信任，进而迸发爱情，以至热恋的过程，奥杰塔的独舞突出了她的悲剧色彩，她的舞姿越是优美柔弱，就越是凸现出她的孤独和动人。
舞蹈论文范例篇十三
摘要：现代舞剧作品《妮娜物语》是日本舞蹈界近年来的优秀作品，舞团探寻了舞者的肢体应当是什么样貌的，他们的肢体能够强大到什么程度，并创造出了一个充满了紧张与美感的舞台。本文经过对作品《妮娜物语》的艺术特征和创作的现状进行分析探讨，最终期望把创作及探寻的方向回归舞蹈的本源，即身体，艺术的价值，即个性。
关键词：舞蹈本源；肢体；舞台美术；编舞手法；
《妮娜物语》是日本无设限舞团创作的现代舞作品，由金森穣导演编舞，它由独舞《天鹅的梦》（15分钟）及现代芭蕾《妮娜物语》（60分钟）两部作品构成，是一部集强大肢体、精妙音乐和炫酷视觉于一体的震撼之作。作品展现出艺术家超越国界的世界性格局与视野，带领我们感受到艺术的一种新境界，生命就是不断的探索，并从中激发出一种能量，使身体产生一种力量与美的感觉。此外，它将人的肢体语言传导出来，对人性进行拷问，将人类精神中的黑暗面进行外化，人物会变成物体，以此来拷问人性。当这些舞者们理解自我的物化之后，他们就会变成骄傲的祭品。本文以编舞家角度为切入点，围绕舞者肢体背后、舞台场景呈现以及编舞手法几个方面进行分析与探讨，侧重探索编舞家在人的肢体语言的设定，打破传统舞台美术设计以及舞蹈动作设计，探讨舞者身体的各种可能性。
舞蹈以人体为媒质，是身体语言的表述和表达；“动”乃舞蹈之核心元素和重要特征，用舞动的人体去言说，是舞蹈表现的最主要手段。看了《妮娜物语》首先能感到肢体表现带给人的震撼，舞蹈语汇十分丰富，编舞的手法个性新颖，舞者们的默契和现场舞动呈现出的剧场张力十分强大，对肢体的控制本事令人震惊。因受到传统的影响，日本舞台表演艺术家对“身体”有执着的关注，第一次看的时候，你或许会感觉像是机器人在跳舞。编导在舞蹈肢体的开发上，探究舞者在空间中舞动前如何能强而有力地散发肢体的美及力量，身体又如何接地气以至被推而不倒。当然，在舞蹈技巧上，金森穣作为编舞，他认为，身体是完美无缺的，坚定不移的。它是绝对“零”的体现，不多不少。肢体的背后可能有任何意义或者没有任何意义，皆取决于观众的思考角度。同时他也试图透过身体，探讨东方舞者在舞蹈技巧上的控制本事。而这种给予身体的“探讨”，作为留学欧洲十多年的金森穣，长期受到西方当代舞训练体系的影响，在重返日本舞台时，用东方演员的身体，加上自我西方现代舞的技法，东西碰撞之间，是很有实验性的。在中国的“陶身体舞蹈剧场”，就是十分注重动作开发与东方文化相结合的舞团，编舞家及创团人陶冶就是致力探索一种颠覆性的身体运动技术并在国际舞蹈界享有盛誉。舞者在训练中不断开发与挑战肢体的潜能与极限，突破身体局限与思维的预期。着重对舞蹈本体的研究，是对身体运动的再造，专注身体形式的探索和挖掘。所以仅有创造出独具特征的舞蹈运动语汇，才能成为独具一格、自成一家的身体舞团。这也应当是舞蹈创作者最迫切的自觉行动。
《妮娜物语》这是一部寻求身体“普遍力量”的作品，没有华丽的舞台包装，没有喧宾夺主的干扰，观赏中从一开始到结束，视线都没有离开舞者身体以外，所有的表现一切用舞蹈最本体的肢体给人以震撼。除了身体，这个作品更加重要的是内在的思想性，和编舞本人对当代人所共同身处的世界的认识，以及对人性的探讨。作品一开场，会先上来五个女舞者穿着特制的服装，他们把自我的身体固定好之后，如同没有自我意识的提线人偶，随后突然出现身着黑色服装的舞者试图操控人偶的肢体，双方博弈的故事就此展开，开始人偶的一举一动都被穿着西装的另一群舞者操控，看到了一种现实人群中的无奈。直到最终一幕反转，当人偶们逆袭穿上西装，操控了控制者，这是不是有种被压抑后的畅快，在这你总能找到一些瞬间和这个故事对号入座，或许是越来越逼真的机器人，或许是你自我的经历，或者是什么历史课本里的某次起义，也或许是走过不细心踩死的一只蚂蚁。虽然12个人一台戏，没有舞美的包装，简约的灯光，但让观者理解的信息量是巨大的，带给大家欣赏优质舞蹈作品时那种心灵层面上的领悟，以及欣赏完之后所将展开的更深刻的内心思考，这就足矣了。反观我们的作品有时则过分依靠其他形式的包装，善于造势与滥用包装，造成“舞不够，景来凑”，且舞台美术的设计都趋向于大制作、超豪华，有时舞美的制作预算占了一大半总费用，也造成剧目无法演出，因为成本太高。也所以显得作品资料苍白，主体创作贫乏，舞台美术则奢华。有些舞美制作确有独立的观赏价值，可是由于作品的平淡无味，不但未能起到提高艺术质量的进取作用，反而更凸显滥用包装的负面效应。
说到日本人，大抵对之有过一些了解和接触的话，都会产生那么一点他们挺“严谨”的印象。这种感觉的由来多是因为我们亲身感受到了日本人在日常中表现出来对于细节的执着，以及体验到了这个国家规则秩序至上的社会大环境。认真的人喜欢将事情做到极致。例如近些年来反复被国内媒体报道和强调的“日本职人”就是很明显的特征。职人精神是日本社会走向繁荣的重要支撑。“职人气质”是指追求自我手艺的不断提高，并对此持有完全自信，不会因为金钱和时光的制约而去扭曲自我的意志或做出妥协让步，只专做自我能够认可的工作，就算是完全放下利益于不顾，也要使出浑身解数去完成工作。当他们对工作的严谨放在创作里，能感受到舞者的每个编排，每个细节，是经过多少次再创作和磨合到达的效果。《妮娜物语》主要完成就是五组双人舞的表演，在双人舞的编排上力量与肢体相互的设计十分独特，空间处理人与人的接触如行云流水，双人舞的舞动随心所欲，让人叹为观止，相互间配合如电脑编程，每个衔接都是严丝合缝。我想这也跟他们骨子里的敬业和创新精神有关，只要是我们能看到的日本团体演出，质量往往不会差，不论从观念到舞台呈现，从导演编排到演员表达，都有可圈可点之处，耳目一新；也就是，资深剧场观众的话来说，我们通常不会“踩雷”。然而，正是这种精神，成就了日本科技、文化的发达，毕竟严谨和创造力才是活力和提高之源。
我们此刻所处在一个十分发达的信息时代，资源信息随时能够获取，这时有助于艺术创作者能够更快捷、便利地借鉴到他人的创作经验。可是艺术创作的借鉴有如人体营养的获取，是需要经过牙齿的咀嚼，胃肠的消化，而不是生吞活剥。有时看见国内某些大导演也在照搬他人，已无所顾忌。但长此以往，这些快捷的创作不经过创作者独立思考的行为，慢慢的会割掉艺术家创作才华，并且也随时涉及到知识产权问题，长期以往对艺术繁荣创作十分不利。此类问题虽然对于大多数编导来说，主观上也许并非出于“抄袭”的动机，而是认识---观念上的模糊和创作上的惰性导致求异思维的萎缩。有些手法的雷同化，也存在“不约而同”的偶然性。但有时，如果我们换一种思维方式，当我们借助多媒体时代的便利开阔眼界，获取很多信息，看到一些令人拍案叫绝的手法时，倘若我们去认真探索其创作思维轨迹，去使自我获得触类旁通的启迪，而不是照猫画虎地翻版，是否会获得更深刻的认知，当自我苦心孤诣想出的“点子”在他人率先推出的作品中“英雄所有相同”时，有宁肯割舍也不重复的气派另辟蹊径，或许会逼迫自我更上一层楼。这样的要求或许比较苛刻，这样的创作实践必然很艰苦，可是艺术的至高境界就是独一无二，有出息的艺术家就应当这样“挤兑”自我。
《妮娜物语》这部剧，虽然是十几年前的作品，但在今日来看依然具有很强的观赏性、艺术性和思想性。同时也透过这部剧反观我们的创作态度和理念。如果作为一名创作者没有独具思想深度的创作理念，肯定不能产生特立独行的作品和精巧的设计；如果一名舞者没有对高水准的舞蹈素质和精神诉求，也就不可能构成艺术震撼人心的效应；如果一个团队不具备形而上的追求和引领，那么艺术灵魂就不会那么庄严肃穆、洁净无暇。所以要记住在创作上核心价值不是在舞蹈的风格上，也不在舞蹈动作体系上，而是在对艺术的追求和态度上。才华和灵气是信念造就的，心灵与精神的升华才能酿出纯真的艺术，我想作为一名真正的艺术家需要的可能是更高精神层面的建设。
参考文献
[1]资华筠。资华筠论文集《探索规律·追求独创》[m]。文化艺术出版社，2024.
[2]杨美琦。第三代现代舞艺术节的崛起[j]。舞蹈杂志，2024,440(7)。
舞蹈论文范例篇十四
每个学校都不一样噢
你们学校要求写什么呢
我给你举个例子
我们学校要求开题报告写的只是论文的题目和大纲
但是我们以前中专的同学他们学校就要求写的比较多还有什么课题来源之类的
你们学校具体是怎么要求的
应该问清楚噢
不过我给你几点意见，希望可以帮到你
1.我觉得你选的题目不错，范围比较小，不会把自己绕进去
3.写论文之前首先应该写一个大纲，把自己的思路理顺一点
4.其实我觉得论文嘛，主要还是在抄书，多看几本书，把里面的东西综合起来就差不多了(举个例子：朝鲜舞蹈的呼吸特点早都被一些舞蹈家总结的很好了，让我们再总结出别的特点肯定也是不可能的了，所以你就顺着书上的意思写就对了)
怎么写开题报告呢【2】
首先要把在准备工作当中搜集的资料整理出来，包括课题名称、课题内容、课题的理论依据、参加人员、组织安排和分工、大概需要的时间、经费的估算等等。
第一是标题的拟定。
课题在准备工作中已经确立了，所以开题报告的标题是不成问题的，把你研究的课题直接写上就行了。
比如我曾指导过一组同学对伦教的文化诸如“伦教糕”、伦教木工机械、伦教文物等进行研究，拟定的标题就是“伦教文化研究”。
第二就是内容的撰写。
开题报告的主要内容包括以下几个部分：
一、课题研究的背景。
所谓课题背景，主要指的是为什么要对这个课题进行研究，所以有的课题干脆把这一部分称为“问题的提出”，意思就是说为什么要提出这个问题，或者说提出这个课题。
比如我曾指导的一个课题“伦教文化研究”，背景说明部分里就是说在改革开放的浪潮中，伦教作为珠江三角洲一角，在经济迅速发展的同时，她的文化发展怎么样，有哪些成就，对居民有什么影响，有哪些还要改进的。
当然背景所叙述的内容还有很多，既可以是社会背景，也可以是自然背景。
关键在于我们所确定的课题是什么。
二、课题研究的内容。
课题研究的内容，顾名思义，就是我们的课题要研究的是什么。
比如我校黄姝老师的指导的课题“佛山新八景”，课题研究的内容就是：“以佛山新八景为重点，考察佛山历史文化沉淀的昨天、今天、明天，结合佛山经济发展的趋势，拟定开发具有新佛山、新八景、新气象的文化旅游的可行性报告及开发方案。”
三、课题研究的目的和意义。
课题研究的目的，应该叙述自己在这次研究中想要达到的境地或想要得到的结果。
比如我校叶少珍老师指导的“重走长征路”研究课题，在其研究目标一栏中就是这样叙述的：
1、通过再现长征历程，追忆红军战士的丰功伟绩，对长征概况、长征途中遇到了哪些艰难险阻、什么是长征精神，有更深刻的了解和感悟。
2、通过小组同学间的分工合作、交流、展示、解说，培养合作参与精神和自我展示能力。
3、通过本次活动，使同学的信息技术得到提高，进一步提高信息素养。
四、课题研究的方法。
在“课题研究的方法”这一部分，应该提出本课题组关于解决本课题问题的门路或者说程序等。
一般来说，研究性学习的课题研究方法有：实地调查考察法(通过组织学生到所研究的处所实地调查，从而得出结论的方法)、问卷调查法(根据本课题的情况和自己要了解的内容设置一些问题，以问卷的形式向相关人员调查的方法)、人物采访法(直接向有关人员采访，以掌握第一手材料的方法)、文献法(通过查阅各类资料、图表等,分析、比较得出结论)等等。
在课题研究中，应该根据自己课题的实际情况提出相关的课题研究方法，不一定面面俱到，只要实用就行。
五、课题研究的步骤。
课题研究的步骤，当然就是说本课题准备通过哪几步程序来达到研究的目的。
所以在这一部分里应该着重思考的问题就是自己的课题大概准备分几步来完成。
一般来说课题研究的基本步骤不外乎是以下几个方面：准备阶段、查阅资料阶段、实地考察阶段、问卷调查阶段、采访阶段、资料的分析整理阶段、对本课题的总结与反思阶段等。
六、课题参与人员及组织分工。
这属于对本课题研究的管理范畴，但也不可忽视。
因为管理不到位，学生不能明确自己的职责，有时就会偷懒或者互相推诿，有时就会做重复劳动。
因此课题参与人员的组织分工是不可少的。
最好是把所有的参与研究的学生分成几个小组，每个小组通过民主选举的方式推选出小组长，由小组长负责本小组的任务分派和落实。
然后根据本课题的情况，把相关的研究任务分割成几大部分，一个小组负责一个部分。
最后由小组长组织人员汇总和整理。
七、课题的经费估算。
一个课题要开展，必然需要一些经费来启动，所以最后还应该大概地估算一下本课题所需要的资金是多少，比如搜集资料需要多少钱，实地调查的外出经费，问卷调查的印刷和分发的费用，课题组所要占用的场地费，有些课题还需要购买一些相关的`材料，结题报告等资料的印刷费等等。
所谓“大军未动，粮草先行”，没有足够的资金作后盾，课题研究势必举步维艰，捉襟见肘，甚至于半途而废。
因此，课题的经费也必须在开题之初就估算好，未雨绸缪，才能真正把本课题的研究做到最好。
